(Documentary) Russian typhoon class nuclear missile submarine.

I have had this documentary for quite a while and finally found the time to upload it.

Its a 44-minute documentary on the "Sewerstal" - a Russian nuclear submarine of the typhoon class. It was aired on German public Television (3SAT/ZDF) in 2001 and follows the crew of the vessel on a training mission in the Barents Sea.

Since the documentary is in German, I subtitled it in English (please excuse the English lapses, I was kinda tired when I subed it).

Unfortunately, due to my bad connection, I had to keep the file quite small so the quality suffered a little but I am sure the submarine enthusiasts will forgive me.

The Bloody History of Fascism

Fascism is known as an ideology that was born and flourished in the 20th century. Yet the roots of this ideology, which exalted war and violence, in fact go back to ancient times, to Sparta. It spread rapidly across the world in the wake of World War I, with fascist regimes coming to power in Germany and Italy in particular, but also in such countries as Spain and Japan. Because of fascism, the peoples of these countries suffered terribly and were subjected to frightful savagery.

In this film, you will explore the origins of fascist ideology which rest on old pagan cultures and its link to Darwin’s theory of evolution, which has formed the basis of various aggressive ideologies all over the world, from the 19th century up to the present day।

What is Documentary?

The Short Answer

The simple definition of documentary is “nonfiction film.” In fact, many filmmakers and film festivals prefer to use that phrase to better describe the wide range of films commonly grouped under the documentary umbrella.

In box-office figures, "documentary" is generally considered a subgenre of nonfiction alongside concert films, large format (IMAX) films, compilations, and "reality" films (like Jackass). As I see it, drawing the lines between these films is arbitrary and somewhat meaningless. Certainly some films are more "serious" than others, but the lines are not so simple to draw.

The main distinction separating documentaries from other films is that they attempt to show us reality rather than made-up stories.

The Long Answer

There are no official rules for documentaries, however there are certain ideals you may associate with documentary films:

• People, places, and events presented are real.
• Events are filmed as they happen and are not staged for the camera.
• Events take place in the order in which they happened in real life.
• The record presented by the film is consistent with available historical evidence.
• Filmmakers’ opinions and personal feelings are not expressed.

You can probably think of documentary films that break these “rules." Some of these expectations about documentary were long ago cast aside in the name of creative freedom and an understanding that film is an inherently imperfect substitute for reality. Some common techniques that are sometimes criticized for violating the “rules” of documentary include:

• Re-enactments: Some re-enactments use actual people and places, others use actors. There continue to be debates over whether and how re-enactments should be labeled for the audience, as evidenced by discussions of Mighty Times: The Children’s March, winner of the 2005 Oscar for Best Documentary.
• Animation and special effects: Often employed as a means of communicating the parts of a story that cannot be captured by camera, including a subject’s dreams, memories, and imaginings. In The Realms of the Unreal,and American Splendor both use such techniques.
• Altered Timelines: Very few documentaries adhere to an exact chronology of scenes. Because the final film only shows a very small percentage of all the footage shot, many actions and quotes will necessarily be taken out of context. Shuffling the order of scenes and dialogue is often done for the sake of clarity.
• Editing and Omissions: Sometimes portions of a story are omitted because a subject is too complicated to present comprehensively and clearly in two hours or less. Filmmakers also might be willing to sacrifice some credibility with scholars in order to produce a film that is understood and well received by a wider audience. Some quickly produced TV documentaries are criticized on these grounds. The relative importance of each part of a story is always a subjective decision made by the filmmaker.
• Personal Opinion: Other films are clearly very personal and contain a significant dose of opinion and interpretation. Agnes Varda’s excellent film-essay on found things, The Gleaners and I, falls into this camp. Similarly, Michael Moore and other issue-advocacy filmmakers use a mix of fact and opinion in their films. Nonfiction films have a long history of being used as persuasive tools – both overtly (as in Fahrenheit 9/11) and as propaganda (Frank Capra’s Why We Fight series and Leni Reifenstahl’s Triumph of the Will).

While there are certainly many excellent films that obey the traditional “rules” of documentary, nonfiction films do much more than simply document the facts of our world. They give us glimpses of other people’s minds and imaginations; they educate, illuminate, persuade, and even (gasp!) entertain.

Top 10 Iraq War Documentaries

Though the conflict is ongoing, a number of insightful documentaries about the War in Iraq and the politics in the U.S. and internationally leading up to it have been made. This list is sure to change quickly as events and historical distance yield greater insight.

1. Control Room

Jehane Noujaim's film makes it clear that the information war is as important as the war on the ground. "Control Room" shows Western reporters and reporters for the Arab news network Al Jazeera covering the early days of the war. As the military works to spin the news for both audiences, differences in coverage reveal the depth of the cultural divide - an understanding of which should frame your viewing of any other documentary about the Iraq War.

2. Iraq in Fragments

James Longley spent more than two years on the ground in Iraq where he got to know families in the Kurdish, Shiite, and Sunni regions. Divided into three chapters, the film stands out among the Iraq War documentaries released to date on the strength of its gorgeous cinematography. Though filming completed before 2006's escalation of internal conflict, the film makes clear the dramatic cultural divides Iraq faces.

3. The War Tapes (2006)

Rather than embed herself with the military in Iraq and subject herself to censorship and biased guides, director Deborah Scranton gave cameras to soldiers who she kept in touch with online. The resulting film features a balanced and unfiltered perspective on the war. Winner of the Tribeca Film Festival's 2006 Best Documentary honor.

4. About Baghdad

Intentionally rough and disjointed, "About Baghdad" is one of the most essential Iraq War documentaries to be released to date – if only for the fact that it consists entirely of the most important and least-heard voices in discussions of the war: those of the Iraqi people.

5. Iraq for Sale

An enraging glimpse of the corruption, waste of taxpayer dollars, and endangerment of troops and contractors lives taking place under contracts awarded to Haliburton, Titan, CACI, and others. Independent contractors represent a greater portion of the American presence in Iraq than in any other conflict, and these corporations are largely exempt from oversight. Iraq for Sale is Robert Greenwald's second documentary on the Iraq war (Iraq Uncovered examined the deception in the lead-up to the war).

6. Farenheit 9/11

Michael Moore's cinematic essay on Bush's first term raises questions about how the invasion of Iraq came about, who benefits from the war, and who is doing the sacraficing. Conservative critics have largely succeeded in turning Moore into a media leper, but the substance of "Fahrenheit 9/11's" arguments about working class sacrafices and a war started on false pretenses have not faded.

7. Baghdad ER

HBO's documentary may have riled Army brass for showing too much U.S. blood, but the film – which depicts the heroism on display every day at the best front-line military hospital ever assembled - was among the most-decorated programs at the 2006 Emmy Awards. Directed by Jon Alpert and Matthew O'Neill.

8. Gunner Palace

The story of the U.S. Army's 2-3 Field Artillery Division stationed in one of Saddam Hussein's palaces in early 2004. "Gunner Palace" avoids politics, focusing instead on the day-to-day life of soldiers trying to make sense of a chaotic and foriegn situation.

9. Occupation: Dreamland

Ian Olds and the late Garrett Scott were given full access to the operations of the Army's 82nd Airborne unit in early 2004 as they work in the al-Falluja area (months before the major uprising and intervention in the area). In the day-to-day work of the Army, the film finds an uneasy mutual acceptance between the military and the Iraqi people.

10. Uncovered: The War on Iraq

Robert Greenwald's detailed examination of the leadup to the Iraq war takes an emotionally dry approach - carefully dissecting and logically dismantling Bush administration arguments.

Campaign to save BBC’s Storyville

Due to planned cuts at the BBC, the internationally acclaimed series Storyville might lose as much as 60% of its current £2.2m. budget. At the moment, Storyville commissions and part-finances around 25 films a year. The cuts will end that role, and reduce the series to one which only buys in completed films.

For the past decade, the series has supported acclaimed documentary films in Britain and around the world. The independent filmmaking community now fears that the loss of the BBC’s backing and finance will have a hugely damaging effect on international documentary production.

Documentary filmmakers are shocked by the proposed 60% reduction in funding, especially in light of the fact that the overall cuts in the BBC’s budget are only planned to amount to 3%. An international campaign is now trying to save Storyville, and the online petition has already been signed by over 1600 people. You can add your signature on this website.

Leading NGO co-produces child poverty documentary

In a half-hour documentary called “Running on Empty”, a leading NGO raises awareness about child poverty around the world, and campaigns for a change in aid culture.

The film was produced as part of a Save the Children UK project in Bangladesh, Ethiopia, Tanzania and Myanmar, and is due to be broadcast on BBC World this autumn.

Through individual stories, the film draws attention to the hard facts about malnutrition, poverty and hunger around the world.

In her Reuters blog, Jasmine Whitbread, chief executive at Save the Children UK, suggests that instead of food supplies, donor countries should be urging low-income nations to channel cash to families in need. “People want cash because it gives them freedom to choose. It allows families to make their own decisions about what to buy now and what to save for the future.”

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Focus on African filmmakers

A new creative documentary film has been completed about the Nigeria-based film industry, Nollywood. Franco Sacchi, the film’s director has been fascinated by the innovative spirit of Nigerian filmmakers, and celebrates new technologies, which he says have brought about an “egalitarian promise”.

Sacchi says African filmmakers make movies on shoestring budgets and are driven by an entrepreneurial spirit. An average production takes just 10 days and costs around 10,000 dollars. According to the director, Nollywood was born out of an “epidemic of crime and insecurity of the 1980s”. Read more about this story at the VOA site.

Hungarian filmmaker beaten up

A Hungarian journalist and documentary filmmaker was assaulted in Budapest on 23 June, and later rushed to hospital with life-threatening injuries. Iren Karman was investigating illegal oil dealings of the 1990s and has recently finished her documentary called “Oiled relations”. The film has not yet been released.

The 40-year-old woman has also written a book entitled “Facing the Mafia” on illegal oil dealings which incriminate the Hungarian underworld, the police and politicians. Last November, a bag containing court documents relating to her book and a documentary tape were stolen from her car. While in hospital, she said she would keep working on these stories, and even plans a feature script.

Litvinenko documentary rises to Cannes prominence

Russian director Andrei Nekrasov’s recent film, “Rebellion: The Litvinenko Case”, which he completed for the BBC in the spring, was given a special slot at this year’s Cannes film festival. Despite some of its flaws, the film is an interesting insight into Litvinenko’s thinking and its screening was a good PR stunt for the festival. Read an earlier post about this film.

The decision about the film’s Cannes screening was made only three weeks prior to the festival, but before British prosecutors named Andrei Lugovoi as a suspect in Litvinenko’s murder and demanded his extradition from Russia. The film has so far only been seen in the UK (and for a few weeks on Google Video) but it will now be shown internationally. This will not please Russian authorities, even though the documentary only states the obvious about their state of democracy.

Dreams with Sharp Teeth

When the screening ended, the crowd leapt to its feet to applaud and cheer the subject of the newly-completed (or rather, nearly-completed) documentary. Characteristically, but good-naturedly, he shouted: “Stop! Stop! I’ll only say something that’ll alienate you later!”

On Thursday, April 19, “Dreams with Sharp Teeth,” a new film by the producers of Werner Herzog’s “Grizzly Man,” received its first public screening at the Writers Guild Theatre in Los Angeles.

The audience included Herzog, guitarist Richard Thompson (whose lively acoustic tunes graced the soundtrack), Josh Olson (Academy Award-nominee for the screenplay of “A History of Violence”), Ron Moore (creator and executive producer of the current “Battlestar Galactica” series), Dark Horse Comics publisher Mike Richardson, Len Wein (creator of Swamp Thing for DC Comics and Wolverine for Marvel), and of course the subject of the film: Harlan Ellison.

Billed as “An Unruly Evening with Harlan Ellison” (though anyone familiar with his reputation would know the phrase is a redundancy), the event promised a Q&A with Ellison and Olson after the film. Writer, director, and producer Erik Nelson said he intended the show to be a tribute and thank-you to its subject.

Ellison may be one of the greatest “unknown” writers of our times. Like that of Bradbury and Vonnegut, Ellison’s work was shunted into the literary ghetto of “sci fi” early in his career, though even at the time (mid to late 1950s) he was also writing pulp fiction, detective stories, westerns, and essays. One could better characterize his stories as fantastic (in the genre sense) or speculative. His considerable body of nonfiction ranges from political and social commentary to film, music, and television criticism. His oeuvre also includes an array of memorable teleplays (many honored by awards), screenplays (most of them unproduced, sadly), a couple of novels, and occasional comic books and graphic novels.

The average person on the street may not instantly recognize the name, but if you tell him Ellison wrote the most famous episode of the original Star Trek series – “City on the Edge of Forever,” the one where Kirk, Spock, and McCoy travel back in time to Depression-era Chicago, and Kirk falls in love with a Salvation Army nurse played by Joan Collins – the listener’s face will usually brighten. Some will possibly recall an episode of The Outer Limits that starred Robert Culp as “Demon with a Glass Hand,” whose script won the 1966 Writers Guild of America award for best teleplay for an anthology series. Fewer still may have seen a very B-grade 1975 cult film starring a then-unknown Don Johnson, called A Boy and His Dog, based on an A-grade Ellison novella by the same title. More recently, the writer has served as creative consultant for The New Twilight Zone and Babylon 5.

He made his name in the late 1960s and early 1970s with stories that had eye-catching titles such as “ ‘Repent Harlequin!’ Said the Ticktockman,” “The Beast That Shouted Love at the Heart of the World,” “The Whimper of Whipped Dogs,” and “I Have No Mouth and I Must Scream.” His stories were startling, vivid, often violent and profane. The author clearly didn’t want you to look up from one of his tales and say “that was a nice story”; he wanted you to get angry, to quake with fear, to jump up and do something! His writing was a sharp rap upside the head.

Unlike many authors, Ellison is a dynamic public speaker – no surprise since his past includes side careers in stage acting, stand-up comedy, and nightclub singing. (That’s him in the chorus of the original 1953 Broadway cast recording of “Kismet” warbling “Marsinah, buy from me!”) Now nearly 73 years old, hobbled in 1994 by a massive heart attack and quadruple bypass, the fabled angry young man has slowed a breakneck pace of speaking engagements he made for decades on the college circuit. But he’s still the best advertisement for his own work, which publishers never figured out how to market properly and all too often left to go criminally out of print.

Ellison’s talents, gregariousness, and powerful ethics have put him into amazing company and pivotal historic events over the decades, from hanging with Lenny Bruce, Charles Mingus, and Steve McQueen; to a historic spat with Frank Sinatra and his goons (minimally chronicled by eyewitness Gay Talese in an Esquire feature) and a more personal beef with Barbra Streisand (who Ellison claims stole the entire tips jar when they were both singing at Rienzi’s in Greenwich Village); to participation in the Century City riots, barnstorming on behalf of the Equal Rights Amendment, and Martin Luther King’s march on Birmingham. He also “demystified” writing by composing stories in store windows, and accepting ideas from others for stories to be written within a daylight hours deadline.

All of which suggests why a documentary about this “unknown” writer makes a lot more sense than one about a more famous, bestselling author such as Grisham, Steel or even King would be. Stephen King’s tales are striking and various, and he’s a thoughtful, charming guy (two hardcover collections of interviews attest to this), but Ellison makes a fascinating subject as a person, even if he had never written a word. Given a decent treatment by a documentarian, Ellison bids fair to pique the interest of viewers who have never heard of him and don’t give a fig for fantasy or science fiction. (Or reading, period.)

Nelson shot his first footage of Ellison at the typewriter (always an Olympia manual propelled by two fingers – never an electric, let alone a computer) for a March 1981 PBS segment, when the filmmaker was just 24. At the time he had no plans to make a full-length film. Over subsequent decades Nelson continued to film Ellison only now and then, pretty much from the standpoint of a fan, while he pursued his own career.

That path led Nelson through production jobs with a variety of nonfiction TV series (at least seven episodes of “Unsolved History,” for example) and more recently, documentary features (executive producer on “Leonard Cohen: I’m Your Man,” “The U.S. vs. John Lennon,” and “Grizzly Man”).

It was only in October 2006 that Nelson realized he had collected some decent footage over the years, to which he could add excerpts from Tom Snyder’s “Tomorrow Show” and other Ellison TV appearances. Plenty of colleagues and admirers of the writer, from Neil Gaiman and Dan Simmons to Robin Williams, Olson, and Moore, were glad to sit for Nelson’s cameras.

“Dreams with Sharp Teeth” was not entirely finished by time of the Writers Guild Foundation screening. End credits were not included in the print (they are listed below), and the director acknowledged having cut two minutes just the day before. He has since cut another three. But he pronounced himself largely satisfied with the result, and is actively seeking a distributor.

Moore, one of the screenwriters on “Star Trek: First Contact” and “Mission: Impossible 2,” author of many episodes of “Star Trek: The Next Generation” and a handful each of “Deep Space Nine” and “Voyager,” launched the evening by saying a stranger might approach Ellison in a bar and ask: “You! What the hell is so goddamned important about you?” Only Ellison would have the chutzpah to address someone this way, Moore went on, so in the scenario Ellison would address himself. The reply, as suggested by Moore? “It’s the words, dummy.” He added, “This film finally provides a glimpse into the small parade that is Harlan Ellison.”

Early in the film, Gaiman echoes this point with the phrase “this huge piece of performance art that is Harlan.” (Stephen King once noted that Ellison has never drunk alcohol or tried recreational drugs and concluded, “Harlan’s drug of choice is Harlan.”) Of Ellison’s words, Gaiman says, “You’re reading them in your head, and they sing.”

Although the documentary follows a rough arc of Ellison’s life and activities, at least two pivotal elements are placed early and out of sequence. First, California buddy Robin Williams comes on like gangbusters in the first few minutes, the better to arrest the attention of Ellison neophytes. The writer is “a combination of borscht and Berkeley,” Williams says. He recounts a laundry list of legends about Ellison – drove a dynamite truck? mailed a dead gopher to a publishing house? threw a fan down an elevator shaft? attacked an ABC executive, breaking his pelvis? – and the author responds as to whether each is true or not. Later, Ellison’s escapades as a single guy in Hollywood in the 1960s and 70s are alluded to, and Williams cracks, “He saw more puss than a litter box.”

The second early scene-setter is a long take in which Ellison talks about a relatively recent tussle with folks at Warner Brothers who wanted to use some of his commentaries as extras on a DVD reissue, for no compensation. “I should do a freebie for Warner Brothers? What is Warner Brothers – out with an eye patch and a tin cup on the street? Fuck no! . . . I sell my soul, but at the highest rates. I don’t piss without being paid.”

The incident illustrates Ellison’s long and steadfast insistence on his – and any other Hollywood writer’s – receiving proper credit and payment for work done, in a milieu where ideas have long been stolen and labor casually elicited and/or used for no pay.

There’s archival footage of Ellison at science fiction and horror fantasy conventions, on Snyder’s show, being interviewed by youthful Tom Brokaw and Jessica Savitch, and “rapping” with college kids. One wishes his abortive appearance on “The Dating Game” (uproariously detailed in The Other Glass Teat, the second of two collections of television criticism, due for reissue by Charnel House Press within a year), or his searing splash on the Merv Griffin show before a hostile crowd and a bewildered host (also described, this time verbally, on the audio CD On the Road With Ellison, volume 2, from Deep Shag Records) had survived to be enjoyed by more viewers.

One of the most striking sequences in the film – because of his own reaction – is some grainy, black-and-white 8mm footage taken sometime during the Second World War, when Ellison was maybe 10, and copied onto a Beta cassette and sent to him years later by relatives. Little, gangling Harlan is shown walking in a sailor suit with his mother at Niagara Falls, and (typically) sticking his tongue out at the camera.

But there’s more. Ellison did not remember because he had watched it once when he received it and stowed it away on a shelf. But he brought it out for the filmmakers and, unbeknownst to him, they filmed him watching it with them. When he sees and realizes that it has the only image he has ever seen of his father putting an arm around his shoulders – though the film does not mention it, Ellison’s father died of a massive heart attack in their home, right in front of his 15-year-old son – Ellison tears up. (After the screening, worried that it looked “staged,” he explained the circumstances of what appears in the documentary and was assured by Olson and the crowd that it does not.)

The viewer also gets some random footage of Ellison yelling at other drivers from behind the wheel of his car, shouting at cars as a pedestrian, and just generally tossing out opinions, which he loves to do. Looking out over the San Fernando Valley from his home perched high above Sherman Oaks, he tells the camera, “The only smog is down in the valley, killing Republicans – I don’t give a shit about that.”

To help the uninitiated get the merest hint of the writing that everyone else is raving about, the filmmakers include several sequences – not enough, in my opinion – of Ellison reading from his work, with evocative graphics behind and around him. You can get a sense of this from the clips available on the movie’s Web site – http://www.creatvdiff.com/harlan_ellison.php – though unfortunately, most of these have not been included in the film. (Big extras for the eventual DVD, one supposes; I especially miss the excerpt from “The Prowler in the City at the Edge of the World,” labeled “A Dangerous Vision” on the above site.)

Though the film is clearly a loving tribute, it doesn’t skirt a few sensitive points, such as the one Ellison screenplay that made it to celluloid in 1966, “The Oscar.” Ellison has long accepted the fact that it turned out to be one of the worst movies ever made. Mention is also made of The Last Dangerous Visions, the third and final collection of groundbreaking stories collected from colleagues and edited by Ellison but still unpublished after more than three decades.

A friend ruefully describes him in the film as one of our greatest writers who is also an “alternately impish and furious 11-year-old boy.” (“Seven!” countered an audience member at the screening, to laughter). In the concluding moments of the film, Ellison admits, “if you had to live with me 24/7, you’d put a gun in your mouth, or my mouth,” and adds, “If anybody watches this movie and says, ‘god, what a mook,’ well, I can’t argue with that.”

World premiere and standing ovation over, Ellison clambered onstage with Olson, who tried in vain to interview him. As almost always happens, Ellison took over the process. Olson got maybe two questions into what became a half-hour Ellison monologue. Earlier this year Olson became the first writer to collaborate with Ellison on a teleplay — an adaptation of Ellison’s story “The Discarded” for the ABC mid-season anthology series Masters of Science Fiction, in which the author cameos as an alien. So he knew what he was getting into here and and apparently didn’t mind, even as his “interviewee” kidded him with “Jesus Christ, Charlie McCarthy never gave me this kind of trouble.”

Ellison’s dismissal of “the pusbag Aaron Spelling” went over big with a crowd consisting mostly of writers of one stripe or another. (“Did he die? What a shame. I have to go home and raise my flag to full staff.”) And his description of various forms of revenge he got on Streisand (“this harridan, this shrike, this butcher bird, this Jewish-American princess with a nose like the prow of the Titanic”) for stealing his song set as well as the tips jar way back in the early ’60s did not even include the earth swallowing up her townhouse in his story “Ecowareness.”

To top off the evening, an audience member offered to replace Ellison’s stolen $21 in Rienzi’s tips if the author could prove he was worth it by singing something. Ellison obliged with a stanza of a Shel Silverstein song.

All of this was captured by Nelson’s cameraman, Wes Dorman, who was still shooting on site. “Wes was with me [during the 1981 PBS shoot]” Nelson told the audience, “and Wes, I think it can be safely said it’s sort of a wrap now.” A 25-minute set of video excerpts went live on the above Web site May 2. If you watch it, you’ll see Ellison speak of how weird it is to watch a film about yourself, and he recalls the incident in Tom Sawyer when Tom and Huck watch their own funeral after they have been reported drowned. Later, Ellison wrote, “It was one of the most bewildering and petrifying experiences at which I’ve been an observer, in a long life bloated with weird and memorable experiences. It was like being a disembodied spirit, floating invisibly above my open casket, hearing what everyone…ANYONE…would say about me when I’m gone.”

So does this documentary deserve distribution to a general audience? I think so, and I hope it gets it. Given Ellison’s limited notoriety, it may initially prove a challenge to get people into seats at a general screening, but once they’re there, most of them will be intrigued if not captivated by the subject. “I think I would find it interesting if I was just going to a theater and watching it,” Ellison himself remarked: “You know, ‘gee, kind of an interesting, weird guy.’ ” Olson agreed, saying, “It’s as close to the experience of hanging out with you as I can imagine on film.”

At the post-screening reception, I talked with a woman who was not familiar with Ellison but had attended with her fan of a husband. She used a phrase that readily comes to mind to describe one’s impression of Ellison in person: “a force of nature.”

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David Loftus first read a Harlan Ellison story collection (Deathbird Stories) in 1975 as a high school sophomore in Coos Bay, Oregon; interviewed Ellison by telephone from Boston in 1985; proofread and fact-checked Ellison’s Edgeworks volume 3 and Slippage in 1997; and is currently indexing the upcoming reissue of Ellison’s twin collections of TV criticism, The Glass Teat and The Other Glass Teat, for Charnel House. Otherwise, he knows nothing about the man and claims no responsibility for his actions.

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Lead review photo courtesy of Harlan Ellison and Erik Nelson.

Review photo of Harlan Ellison and Josh Olson courtesy of Steven Barber.

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Film Credits:
Erik Nelson – Director, Producer
Randall Boyd – Co-producer, Editor
Richard Thompson – Music, Composer and Performer
Tom Ronca – Additional Editing
Amy Briamonte, Dave Harding – Executive Producers
Wes Dorman – Principal Camera
Kris Denton, Steven Miko, Adam Goldberg – Additional Camera
Dave Coulter, Glen Bates, Chris Aidenhead – Sound
Douglas Martin – Visual Effects and Graphics Supervisor
Todd Gallahan, Esther Lucini, Patric Martin, Paul Marengo – Additional Graphics
Douglas Martin, Patrick Martin, Tom Ronca, Tony Russomanno – Segment Producers
Jessica De Jong – Production Manager
Jane Pfeister, Lala Damonte – Production Coordinators
Colin Hatton – Post-Production Coordinator
Tree Falls – Post-Production Audio
Linda Callahan – Stock Footage Coordinator
Simon Tassano – Music Audio Mix
Jan Machalik – Gaffer
Joel Potter – Grip
Lorraine Martin, Cheri Minns – Make-Up/Hair
Kari Hunter – Script Coordinator
Cynthia Shapiro – Business Affairs
Footage/Artwork/Stills Provided By:
M.I.T. Lecture Series Committee
James Gunn and the University of Kansas Center for the Study of Science Fiction
Josh Olson
Jacek Yerka, Morpheus International
NBC News Archives
MGM/UA Television
Sabucat Productions, Inc.

Special Thanks:

Keith Addis, Neil Gaiman, Josh Olson, Rebecca Spencer
Appearances by: Robin Williams, Neil Gaiman, Dan Simmons, Ron Moore, Peter David, Michael Cassutt, Stu Levin, Marty Shapiro, Richard Curtis
Archival Footage includes: Tom Snyder, Tom Brokaw, Jessica Savitch

The Bridge

Most of us remember that jarring nature film moment in our formative years. The one where the film crew flexes its objectivity by choosing not to intervene in the preventable demise of some poor beast caught in the mire. There are a few ways to approach that moment. First, one might set aside the emotional element and take the “scientific” view, that Cartesian cruelty that would make him only observer, never participant. Second, there is the prerogative of the filmmaker, whose intervention would taint the work. Third, that of the human being, aghast at such apathy no matter the means.

Eric Steel’s The Bridge dredges up that conflict in the viewer. Though the plaudits of critics seem to validate views one and two, view three never seems to disappear.

The setting of The Bridge is San Francisco’s Golden Gate. An architectural marvel and national treasure, The Golden Gate Bridge draws shutterbugs and newlyweds from around the world. Unfortunately, such majesty also provides arguably the ultimate means with which to do oneself in. Through just over an hour and a half, the viewer observes along with the filmmaker as men and women brace themselves, hurdle the barriers and plunge to their demise.

While there is much to question in the approach and execution of the film, there can be little argument about the quality of the cinematography. There’s a truism in the photography world that one can’t help but to take a good shot in India. The same could be applied to filming in San Francisco. The seemingly constant fog contrasted with the hours of California sun make for fantastic images, as much for an editor as a cameraman. To seasonal affectives, the atmospheric yo-yo is something out of Dante. If you’re shooting a picture, it is a bounty. This is not to say that Steel & Company don’t display an eye. On the contrary, the viewer ends the film feeling that the same crew could produce a work of stunning imagery in a Dallas suburb. As with any gift, this demands the greatest care not to go around the bend. Sadly, that is just what The Bridge does.
Take the star of the film, Gene Sprague, as an example. Some might recoil at such a designation. In the context of the film, that is precisely how the jumper is treated.

Suicide comes in all forms. Frail people, hearty people, plain people and arresting people. Sprague is the latter, clad in black with long, dark hair that moves in the furious Bay winds. It is no accident that his suicide bookends The Bridge. While it would be naïve to suggest that the crew attempt to prevent any or all of the twenty four jumpers of 2004, it isn’t too much to ask that the sanctity of human life might trump the aims of a work. One critic salutes The Bridge for its lack of “religious cant and of cozy New Age bromides.” Fair enough, but this topic and this film are all about lines and where to draw them. Just as the friends and relatives ponder where the line is drawn between stopping a suicide and unseemly intrusion, the viewer must ask just how far can a filmmaker go in taking on this subject without getting too cute with his editing. New Age bromides notwithstanding, there is a real urge to chastise he who would use the ultimate in human despair for what amounts to stage blocking.

Despite this criticism, there is a lot to ponder. The setting itself, for starters. As Philip Manikow’s parents point out, there has to be a sort of majesty in it. If a person has come to that point, what could be more liberating than a free fall into (and from) such a picturesque locale. Symbolically and physically, the release must make at least two of the four seconds bounding to certain death perversely serene. To this end, it is correct to assert that jumping off the Golden Gate, though it is suicide, isn’t like any other kind. Though there is little in the way of an answer presented, there are some helpful clues for those concerned about a loved one. It is fair to attest from the anecdotal evidence provided in the interviews that if a person of interest is striking out at online dating and clad in charcoal whilst living more than an inch west of the Hudson, it is time to seek professional help.

About halfway through, one gets the feeling that the film is about to enter the second act. Namely, the pathology of suicide. Almost, but after a short jog in that direction, it continues down the vignette path. To be sure, the story that seems to set this up and not pay off is one hell of a story indeed. In a subject whose primary trade is in shock, the tale of Kevin Hines raises the bar. Be that as it may, there is a nagging feeling that simply having a sledgehammer of a subject does not entitle the filmmaker to lose the script.

Eric Steel has no obligation as a citizen to offer the viewing public a solution to suicide in general or the Golden Gate jumper phenomena in particular. As a filmmaker, he brings this upon himself.

What is troubling is that The Bridge confronts us with the question of what is actionable. No solution is offered. Again, it is a lofty request to make. This is a lofty subject. If a person watches a documentary on Iraq, he might write his Congressman. One on Katrina, she could give to the Red Cross or the NAACP. Even in a nature film, the provocation can be converted into action through political and economic means. In fact, politics and economics, if they are even viewed separately, shape nearly all the exigencies of our daily existence. It is to Steel’s credit that he avoids a “political” documentary, but surely there is an aspect of public policy, say, access to walking on the bridge, that could be addressed. In general terms, there is the lingering question of how to obviate the act as either a state or concerned individual.

With The Bridge, we’re confronted with the helplessness that the interview subjects have obviously dealt with on an exponential scale. Some of the jumpers suffered from severe mental illness, some addiction, some simple desperation onset by the parade of small failures most of us perceive or encounter. The common thread is that each person profiled had friends and/or relatives who were struggling to stop them from the act with whatever abilities they had. Just as it perturbs the apt viewer when one of those political films betrays him by turning needlessly didactic, The Bridge leaves him begging for some kind of answer.

Oddly, the American character in the 21st Century comes off pretty well. This provides little comfort. Comfort would be to prove the cynical conjecture that those who take their own life are completely at the end of their rope, or that their sense of absolute abandonment was merited. To this, one of Gene’s friends put it plainly but best: “Gene had people who loved him.” Another friend follows this. “I don’t have any answers.” None of the people in The Bridge were so alone that, as we might imagine, at the end of life there was no one to grieve. The bereaved are all over, left with little besides pain and confusion. In some cases regret, but in most cases a pervasive bewilderment.

What answers can one filmmaker offer? Hard to tell, but that irksome sensation that some answer, any answer, is owed us. At least an attempt. Just as the buffalo drowning slowly in the bog on Mutual of Omaha sticks with a person, the feeling that The Bridge is more concerned with the work than the subject never goes away. It is captivating. Even with all of these unseemly qualities, the urge to dial back and watch it all over again is surprising. Still, one could submit that something this heavy comes with a responsibility attached. If you lead us down this road, don’t leave us like Gene’s friend, saying we have no answers.

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Eric Steel, Easy There Tiger, Inc., 2006

Color, 94 minutes

“Go Organic!” A Series of Short Films by Rural Route Film Festival

Film is still one of the best mediums out there for grassroots action.

What else could have the power to bring together nonprofit groups from New York, community activists from the Midwest, and students, academics, farmers and foodies to a sleepy little college town in Kansas?

Before the screening of the “Go Organic!” short film series in Lawrence, Kan., on Aug. 23, one could sign up to rally against the exploitation of farm workers by Burger King; speak out against genetically engineered rice farming experiment in Junction City, Kan.; or learn about a biodiesel bus trip across America.

The Lawrence-based nonprofit Films for Action, Local Burger restaurant and the New York-based nonprofit Sustainable Table were the presenting partners of the screening. Rural Route Films, a New York nonprofit which highlights films that deal with rural places and people, originally put the series together and offered it up for screenings nationwide. (Check the group’s myspace page for upcoming screenings: www.myspace.com/ruralroutefilmfestival)

Sustainable Table was in town as a part of their “Eat Well Guided Tour of America,” a bus tour which started in California earlier this month and is headed to New York for this year’s Farm Aid concert on Sept. 9.

The featured speaker of the evening was the new local celebrity Simran Sethi, host/writer of the Sundance Channel’s new program, “The Green,” and a lecturer at the University of Kansas School of Journalism. She quickly set the tone for the evening: “We are what we eat and where we eat. The choices we make for food not only affect our health, but our community and economy.”

Hilary Brown, owner of the Local Burger restaurant in Lawrence, Kan., provided the free organic fare for the audience before the screening and offered one solid advice: “Educate yourself about genetically engineered food.”

Tim Hjersted of Films for Action explained the beginnings of his nonprofit group in 2006. “We realized that the way the overcome many of the problems we’re facing today is to overcome the media itself.” The Films for Action group has been showing documentaries locally for a $2 admission and is also planning on a free lending library of all the DVDs in its collection.

The evening started with by now the very-Internet-famous, The Meatrix. The brainchild of the Sustainable Table group, The Meatrix, is not a documentary short, but rather an anime information film about factory farming. It has enjoyed wide popularity for its witty and cute spinoff on the blockbuster movie, The Matrix. In this short, instead of Keanu Reeves, we get Leo the pig who takes the red pill from Moopheus and sees the truth about factory farming. The Meatrix, as Moopheus puts it, is “the lie we tell ourselves about where our food comes from.”

First on the “Go Organic!” series was Frankensteer from Alberta, Canada. Frankensteer examines how the modern agriculture industry took the cow and experimented with it to turn it into the perfect food machine. The film features stunning footage of Alberta’s “Feedlot Alley,” where one million cows are housed and slaughtered each year. From the bird’s eye view shots, all we see are muddy, dirty open-air pens where hundreds of thousands of cows are squeezed in together. Directors Ted Remerowski and Marrin Canell then take us to Bob Kerr’s free-range cattle farm, where cows graze happily on green pasture. Kerr calls it “Heifer Heaven.” The film shows how the life of the cow started to change in the 1960s, when industrial farmers figured out how to fatten it cheap and fast by what they call “grain finishing.” Rick Paskal, a feedlot operator in Alberta, says, “Grain-finished beef produces the marbled meat which the consumer demands.” But farming expert Tim McAllister explains how cows would have never evolved to eating grain naturally because it makes them sick to their stomachs. In 2005, hundreds of cows died in Alberta’s “Feedlot Alley” after eating too much grain, which made them drink too much water and freeze to death.

So what is industrial agriculture’s solution to this problem? They start pumping the cows with “subtherapeutic” levels of antibiotics. Subtherapeutic means every cow, whether sick or not, is given pellets of antibiotics, in order to prevent disease and resist diseases from other cows in the same feedlot. This practice is banned in Europe entirely because, you guessed it, consuming meat products pumped with antibiotics results in superviruses in humans that are resistant to those drugs. But in Canada and the U.S., it’s still fair game.

Remerowski and Canell do a good job of getting an unbiased view of factory cattle farming by talking to insiders such as Paskal, who doesn’t deny that this is a business of economics. “We put $50 into a sick animal, after that they’re done,” he says.

The second film of the series, Back to the Land…Again, is pastoral and positive compared to Frankensteer. Director Gretta Wing Miller takes us on a journey of beautiful organic farms across Wisconsin, where lots of people are doing a lot of good. “What we see here is a renaissance of a very old idea,” says farmer James Welsh. “It is the marriage of modern science and common sense.”

On an organic dairy farm in Bristol Township, Jim Miller says he enjoys organic farming because it is a really good way to make a living. He is one of the lucky cooperative farmers of Organic Valley. At Harmony Valley Farm, Richard De Wilde says he only ships his products as far away as Chicago, because that’s “our region.”

“A lot of our customers made the leap from organic to local and seasonal,” he says. All three of these farms are green, lush and healthy looking. The dairy farmer, Jim Miller even goes on to say that they don’t have to use antibiotics on the dairy cows, because they eat dandelion root and garlic, which boosts their immunity system. “When we switched to organic dairy farming in 1994, we saw a big drop in disease in the animals,” he says.

In Back to the Land…Again, the farmers are so right-on that one of them mentions how they are looking into using sheep as an alternative to mowing. “We just let them graze and eat the lower leaves of the fruit trees, that gives us an idea of how to prune,” says Greg Welsh.

The third and last film featured at the “Go Organic!” series was by far the most fascinating. The Power of Community: How Cuba Survived Peak Oil, looks into the urban organic agriculture initiative in Cuba that sprung from the fall of the Soviet Union. Faith Morgan’s documentary for the nonprofit Community Solutions argues that when the Soviet Union collapsed a mini peak oil crisis dawned on Cuba. This small island nation had committed fully to fossil-fueled and chemical-laced form of agriculture during the heyday of the U.S.S.R. But with the fall of the Soviet Union, there were no more chemicals and not a lot of petrol to go around. What did they do? Started small organic urban gardens and farms everywhere. Every imaginable plot, including rooftops and patios. The result, in less than 20 years, pesticide use dropped substantially, 80 percent of all food grown in Cuba became organic and 50 percent of all food now comes from urban farms/gardens. Morgan is intense in her interviews to document and credit this extraordinary conversion tale in Cuba. It seems she talks to dozens of people and canvasses the whole island for the film, which is much more comprehensive than Michael Moore’s coverage of the Cuban health care system in Sicko.

Morgan reveals that not only are people eating better food that is local, but that farmers are now among the highest paid workers in Cuba. Now, this is a truly inspiring story. For all those gloomy environmentalists out there, apparently when humans are faced with starvation, they will change their ways and do the right thing. Now if only we could simulate world Peak Oil…

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Frankensteer
Directed by Ted Remerowski & Marrin Canell, 2005, Bullfrog Films, 48 minutes
www.bullfrogfilms.com

Back to the Land…Again
Directed by Gretta Wing Miller, 2006, 57 minutes

The Power of Community: How Cuba Survived Peak Oil
Directed by Faith Morgan, 2006
www.powerofcommunity.org

The Meatrix I, II, II ½
Directed by Louis Fox, 2003, 2006
www.themeatrix.com

On the second anniversary of Katrina

On the second anniversary of Katrina: “Kamp Katrina” and “New Orleans: Music in Exile”

Americans have a natural inclination for collective grief. This predilection, though it surely exists and is widespread, is antithetical to much in the American character. We will attend the funeral, maybe even, when in Rome, dance to the dirge. Joining together to prevent the condition that causes the grief? That’s not exactly our thing.

Two years ago, we engaged in a national handwringing over the near loss of a city that defies definition. New Orleans, possibly more than any other city in North America, was and is an island unto itself. No doubt the national mourning over much of New Orleans and the Gulf Coast was sincere, but the question lingers now—and likely will for decades to come—couldn’t this have been prevented?

It would be unfair to cast too many aspersions on the national character for avoiding issues as dry as infrastructure and egress until they have passed the crisis point. Aside from the example of The Netherlands, it is human nature. That said, no one could blame the people of New Orleans for expressing an allegiance to their own. “Cash can be sent in lieu of flowers, America.”

We are one nation, but all politics remain local. In the same vein, it could be said that all tragedy is personal.

Hurricane Katrina and its aftermath have been the subject of a number of articles, essays, books and films. While it is important to study the public policy aspects of the disaster, as well as the complications faced in rebuilding, it is equally instructive to consider just what the individuals, whether they are displaced or they remained throughout, have experienced.

Every documentary starts with a question. One might expect Kamp Katrina to begin with questions about buses, infrastructure or racism. Actually, the more appropriate questions to set up the story are: 1. Does any good deed go unpunished?; and, 2. To what extent will people attempt self-improvement, especially when someone is reaching out above and beyond the call? A possible third could be “Hey, honey, remember the time our friend Jim was down on his luck and we let him get his stuff together while staying in the spare bedroom—how did that work out for us?”

Ashley Sabin and David Redmon provide us with an excellent example of the personal side of a collective tragedy. One vexing aspect of the whole issue is that, though New Orleans is unlike any other place, faced with such obstacles, the stories told so deftly in Kamp Katrina could come as easily from Joplin, Missouri as the Big Easy.

This is not to imply for a moment that the people in the film aren’t as different as their home town. If you have any lingering doubt, Kamp’s protagonist, Ms. Pearl, provides you with an instant abnegation. Upon discovering one of her tent city residents in her shower without her consent, Ms. Pearl exclaims, “I don’t want a naked man in my shower with no notice… unless it happens to be John Goodman.” Yes, Bywater is a little different.

The shower, it turns out, is the least of Pearl’s problems.

While the city was still reeling from the devastation Katrina wrought, Ms. Pearl and her husband David Cross decided to offer a valuable service to her fellow New Orleanians. Their house was still standing, they had a large yard with running water, and they had been the beneficiaries of benevolence when they weren’t so blessed. Given this, they offered their property up as a tent city for displaced residents. Their conditions are clear: no drugs, no alcohol, no consorting with the neighbors, who are nearly all, shall we say, urban entrepreneurs. No easy task in a city purported to have gin flowing from the fire hydrants. Add to this that the two businesses open in the neighborhood are a convenience store and a bar, and one can foresee the conflict from a mile away.

The people who come, and their problems, are similar to many who occupy impoverished neighborhoods. Doug and Kelley, one of the first couples to show up, are expecting a birth in the midst of all this. They also have issues of domestic strife and drug and alcohol abuse. In this they aren’t alone. Kamp Katrina is packed with harrowing moments. The “kampers” engage in a variety of imbibings, support the local narcotics and loot liquor distributors, and seem intent on engaging in all manner of conflict with their compatriots. It is wise not to judge, really. There but for the grace. Even so, one can easily empathize with David and Pearl. Not only do they take people in, they provide them with work (David runs a construction business, so there is plenty of work to do) and as much counseling as could reasonably be expected. Imagine yourself in a situation where the most welcome face is that of a man preaching apocryphal gospels while escorting his girlfriend, who happens to be Joan of Arc, through the ravaged New Orleans ghettoes.

By the ninetieth day, the strain is palpable. By Christmas (day 120) one can sense the relief they must feel at the first wave exiting. Eventually, Doug and Kelley leave. Throughout Kamp Katrina, holidays correspond with events serendipitously to the point of mystical. The climax comes, naturally, on Mardi Gras. The situation calls for little in the way of celebration for the troubled couple. After Ash Wednesday, Pearl and David are found cleaning up for their next tenants. Hope springs eternal.

If Kamp Katrina is concerned with the vagaries of daily survival, New Orleans: Music in Exile could best be summed up in the words of David Freedman. “It is about restoring the lines of cultural transmission.”

The latter movie, especially when considered alongside the first, lacks the depth of struggle and conflict one might desire in a film of its kind. No doubt the indigenous music scene is as essential a sustenance as food and water. In most places, that could be couched by saying “until you’re out of food and water.” In New Orleans, it is decidedly a push.

While it is reasonable to see a deeper level of personal suffering in the common citizens left behind, as opposed to the musicians, writers and broadcasters in Music in Exile, it could be argued that no building or population exodus compares to the loss of a well defined local culture. They weren’t living in a tent city, granted, but how would you enjoy exile to Houston?

The filming of Music in Exile took place rapidly after Katrina. Even before a timeline is established (which takes quite a while, unfortunately) the viewer can sense a profound angst that places us squarely in the autumn of 2005. Presumably Alex Chilton’s whereabouts were still in doubt, judging from his absence. The urgency of the subject necessitates a corresponding confusion. How long was Eddie Bo “in the country?” How long were Kermit Ruffins and the Rebirth Brass Band in Houston? Are the Iguanas still Austin transplants?

These questions could be vexing, were it not for the riches the viewer enjoys. Even without the background of these musicians dealing with an unprecedented exodus, who wouldn’t relish the chance to watch interviews and performances by Bo, Ruffins, Rebirth… along with Marcia Ball, Dr. John, Cowboy Mouth, etc.?
Music in Exile does provide an answer. Whether it is Irma Thomas taking stock of the damage to her Lion’s Den, Ruffins blowing New Orleans horn at the Red Cat Jazz Café in Houston, or footage of The Maple Leaf putting on shows with generators and Christmas lights, it was obvious on the second day of September that there was no chance the favorite sons and daughters of New Orleans would give up the city without one hell of a fight.

As a duo, these two films make for perfect Katrina observance viewing. Sabin and Redmon provide us with an acute portrayal of human decency, as well as the opposing frailties. Mugge gives us a soundtrack and a look at the Brahmins that provide the pulse everyone, from Ray Nagin to Ms. Pearl’s guests, must walk to. Both illustrate the resilience New Orleans and her citizens exhibit before, during and after the greatest natural disaster America has suffered in this young century.

Maybe flowers aren’t such a bad idea, after all. Mardi Gras is less than 160 days away.

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Kamp Katrina
Directed by Ashley Sabin and David Redmon
2007 Carnivalesque Films
Color, 75 minutes

New Orleans: Music in Exile
A film by Robert Mugge
Color, 110 minutes

La ‘web’ Docfera difunde y distribuye el archivo digital más importante de cine documental de la región

Un equipo de gestión cultural lanzó el lunes en Buenos Aires el sitio web Docfera, una plataforma pionera en la que el público tendrá acceso al archivo digital más importante del mundo de documentales latinoamericanos.

La plataforma apunta a conservar, difundir y distribuir en Internet el “enorme patrimonio documental latinoamericano” en los más diversos formatos digitales, subtitulados y en la mayor calidad disponible, explicó Andrea Hirsch, quien dirige al equipo.

También ayudará a que los realizadores puedan difundir su obra y percibir on line sus derechos de autor, que estarán protegidos por avanzados sistemas de encriptación diseñados por un equipo especializado, destacó.

Hirsch, hija de Paul Hirsch, el gestor de las fundaciones argentina Antorchas, brasileña Vitae y chilena Andes, señaló que Docfera tiene como “principal público” a las universidades y escuelas de todo el mundo y ha recibido el apoyo de varias prestigiosas casas de altos estudios. Señaló que el sitio tiene novedosos formatos de búsqueda de los contenidos del archivo, “uno totalmente racional y preciso y otro intuitivo y amigable”.

Con el formato de “búsqueda amigable” se apunta a revolucionar el sistema en que se difunden los documentales “porque está orientado a usuarios más jóvenes, habituados a explorar en Internet de una manera menos específica, a través de tópicos e ideas clave, sin saber exactamente lo que se puede llegar a encontrar”, comentó.

Docfera también incluye un módulo que permite hacer la realización de festivales de cine “virtuales” en los que los miembros del jurado pueden estar en diferentes partes y presenciar, discutir, comentar y votar las distintas piezas en concurso.

Andrea Hirsch detalló que el módulo Festival On Line apunta a organizar certámenes “con figuras cada vez más prestigiosas que por cuestiones de agendas, costos y compromisos muchas veces no pueden trasladarse a los distintos lugares donde se llevan a cabo esos eventos”.

Sostuvo que los realizadores cuentan a partir de ahora “con una nueva vía de difusión de su obra” y “pueden vender sus documentales de manera segura de protección de derechos de autor” bajo el protocolo DRM (Digital Rights Management), que establece qué niveles de reproducción y copia tiene cada obra, de acuerdo a lo que los usuarios deciden comprar.

Presentan serie de documentales sobre soberanía alimentaria en televisión vasca

“La soberanía alimentaria es el derecho de los pueblos a alimentos nutritivos y culturalmente adecuados, accesibles, producidos de forma sostenible y ecológica, y su derecho a decidir su propio sistema alimentario y productivo. Ésto pone a aquellos que producen, distribuyen y consumen alimentos en el corazón de los sistemas y políticas alimentarias, por encima de las exigencias de los mercados y las empresas. Defiende los intereses de, e incluye a, las futuras generaciones”.

La cita corresponde a un extracto de la declaración final del Foro Mundial por la Soberanía Alimentaria, que se realizó en Malí, del 23 al 27 de febrero de este año. (Ver avances de los documentales)

Movimientos y organizaciones sociales de diversas partes del mundo, entre las que estuvo REDES-Amigos de la Tierra Uruguay, se reunieron durante esos cinco días en la localidad de Selingué, situada a unos 140 kilómetros de la capital Bamako, para analizar diversas temáticas relacionadas a la soberanía alimentaria.

Hasta allí llegaron también los periodistas vascos Fermín Aio y Oskar Epelde, que realizaron registros audiovisuales como parte de su trabajo para una serie de cuatro documentales, de media hora cada uno, sobre el foro en Selingué y la soberanía alimentaria.

Los documentales se emitirán a partir de este sábado 18 de agosto como apertura de la temporada 2007 de la serie “Rutas de Solidaridad”, que se emite en el canal vasco internacional ETB.

A continuación REDES-Amigos de la Tierra Uruguay presenta un adelanto de poco más de cinco minutos de los documentales elaborados por los periodistas vascos. En este resumen hecho por el canal ETB aparecen, entre otros, el campesino vasco Paul Nicholson, dirigente también de la Vía Campesina, red internacional de trabajadores agrícolas, y el principal referente del Movimiento de Trabajadores Rurales Sin Tierra de Brasil (MST), Joao Pedro Stédile.

Refugiados palestinos en el Líbano

El documental “Refugiados Palestinos en el Líbano” hecho por Balata Film Collective muestra imágenes de la vida de los palestinos en este país, donde han surgido grupos como Fatah Al Islam y que han sido intervenidos militarmente por el Ejército del Líbano.

Sinopsis “Refugiados Palestinos en el Líbano”

Unos 400.000 palestinos viven refugiados en Líbano. Fueron expulsados de su tierra por los israelíes en 1948. Sufrieron la guerra civil de Líbano donde fueron perseguidos por los israelíes, las milicias libanesas y el movimiento Amal. Hacinados en 12 campos distribuidos por todo el país, estos palestinos viven por debajo del nivel de pobreza. A diferencia de sus compatriotas refugiados en Siria o Jordania, no disfrutan de los derechos sociales del país que los acoge. Su único objetivo es volver a su tierra.

Descargar documental desde indymedia

Lágrimas de Wayronco, documental sobre la violencia en Perú

El documental “Lágrimas de Wayronco”, de Jorge Meyer y Xavier Urios, muestra el dolor y sufrimiento generado por los años de violencia interna en el Perú. El wayronco es un abejorro andino que en su vuelo emite un sonido parecido al llanto humano. A partir de esta idea, en 2004, se realizaron más de 65 entrevistas a víctimas de la violencia, miembros de Sendero Luminoso, políticos y miembros de la Comisión de la Verdad y la Reconciliación (CVR).

La idea del documental surgió a raíz del informe que la CVR presentó su informe final en 2003, en el que constató que la violencia interna dejó casi 70.000 víctimas entre muertos y desaparecidos y que sus autores fueron Sendero Luminoso, el Movimiento Revolucionario Túpac Amaru (MRTA), las Fuerzas Armadas y policiales y los paramilitares. El cuarenta por ciento de ellas fueron por terrorismo de estado.

Según sus autores “Los pobres, los analfabetos, aquellos que tanto en Perú como en cualquier otro lugar (…) son los que siempre se llevan los golpes por parte del terrorismo en este caso y también por parte del sistema, el terrorismo de Estado”.

Lágrimas de Wayronco tiene una duración de 100 minutos aproximadamente es la historia de un recorrido por diferentes pueblos que fueron diezmados por el conflicto interno: zonas como Chungui, en la famosa comarca denominada “oreja de perro” que fue uno de los pocos lugares “liberados” por Sendero Luminoso durante la década del 80. O también entrevistas a la grupos de ashaninkas que, a su vez, tuvieron que huir durante muchos años dentro de la selva virgen para evitar ser “cazados” por uno de los bandos levantados en armas.

El documental a su vez registra las diferentes entrevistas que hace uno de los más interesantes retablistas ayacuchanos, Edilberto Jiménez, hijo del reconocido Florentino Jiménez, quien ha recogido las historias de terror de esos años en impactantes dibujos. Edilberto es un artesano vanguardista que prefiere poner en sus retablos escenas de la historia del Perú de los últimos años denunciando, a su vez, la cobardía y el exterminio. Además Edilberto acompaña como traductor a Jorge Meyer en su recorrido por el campo ayacuchano y nos pone en contacto con los detalles de las historias de los afectados por la violencia, acercándonos a las sensaciones casi inenarrables que las frías cifras a veces disimulan. Esos detalles de las historias que cuentan los campesinos frente a la cámara, a veces nos conmueven y dejan perplejos, como la de aquella fosa clandestina en la cual encuentran los huesos de un niño de dos años. Jiménez ha recogido todo este terror de sus paisanos en dibujos impactantes, que le sirven al documental para reemplazar las imágenes que nunca veremos: juicios populares, incursiones de los senderistas pero también de las fuerzas armadas, violaciones de mujeres, asesinatos, genocidios.

El documental evita la voz en off de un narrador y permitir que sean los propios protagonistas de la guerra los que hablen, es que las primeras escenas de “recreaciones” de juicios populares, en las que vemos a supuestos senderistas enmascarados, quedan fuera de lugar. Y no aportan a la verosimilitud del mismo.

El impacto del documental también reside en las entrevistas: escuchamos a los afectados, pero también a dirigentes de Sendero Luminoso en las cárceles, tanto de PROSEGUIR como del grupo del Acuerdo de Paz —y entendemos las grandes diferencias— así como a Alberto Gálvez Olaechea y a Walter Palacios, quien estuvo mucho tiempo en la cárcel y luego fue liberado como inocente. A su vez, escuchamos a Salomón Lerner, a Javier Diez Canseco, a Pilar Coll, a Sofía Macher y también a Rafael Rey, que en contraste con los anteriores, defiende argumentos indefendibles, como que todo asesinato es repudiable, pero hay algunas más repudiables que otros o como que la amnistía a los militares se dio pensando en el futuro de la patria.

Entrevista a de audio a Jorge Meyer y Xavier Urios

Serie Documental L’Europa Rebel en la Televisiò de Catalunya

Posted on Septiembre 13th, 2007.

La televisión autonómica catalana presenta la serie documental L’Europa Rebel de seis capítulos y producida por varios países europeos sobre movimientos sociales antiautoritarios europeos que aparecieron en los 60 y 70. Los temas que aborda la serie son: feminismo, lucha antinuclear, movimiento gay, ecología, pacifismo y lucha vecinal.

La mini-serie de seis capítulos, con media hora de duración, se emitirá cada martes a partir de mañana por el canal 33 catalán y tratará sobre pequeñas rebeliones antiautoritarias, al margen de los partidos políticos dominantes, la mayoría lideradas por jóvenes, y que incidieron directamente en aspectos de la vida cotidiana de la gente.

Varias televisiones europeas de varios países –Suecia, Holanda, Finlandia, Dinamarca, República Checa, Bélgica, Polonia, Italia y Catalunya– han colaborado por producir cada uno de los episodios. Televisión de Catalunya participa con el episodio “Vecinos en lucha”, que trata de las asociaciones de vecinos y vecinas y las luchas vecinales por mejorar las condiciones de vida a los barrios de las ciudades catalanas.

Sinopsis Mi vida como feminista (My life as a women’s libber):

Normalmente se considera que Suecia es el país líder del mundo con respecto a la igualdad entre hombres y mujeres. A esta situación, se llegó durante la década de los setenta, cuando la posición de las mujeres se reforzó a través de una serie de reformas políticas. Entre otras cosas, se aumentó el número de guarderías, se instauraron los permisos de baja paternal y se mejoraron las condiciones para las madres solteras. La dependencia de las mujeres respecto a los maridos a la hora de sacar adelante a la familia disminuyó en gran medida.

El chispazo que puso en marcha el famoso “modelo sueco” fue el descontento de ocho chicas jóvenes de Estocolmo que estaban cansadas de la situación injusta en la que vivían y emprendieron la lucha contra la “trampa de la ama de casa” y contra los que eran -según su opinión- condiciones de esclavitud en la existencia de las mujeres.

El reportaje “Mitt liv som rödstrumpa” explica la historia de este grupo de amigas que consiguieron forzar los poderes públicos a cambiar completamente sus objetivos políticos. Gracias a una serie de acciones espectaculares en las calles consiguieron que decenas de miles de mujeres que se sentían como ellas se sumaran al movimiento. Se hicieron llamar Grupo 8 y, en muy poco tiempo, se convirtieron en un fenómeno de masas en cualquier parte del país.

Al cabo de poco tiempo, eran tantas y hacían tanto ruido que el poder político empezó a considerarlas una auténtica amenaza y se vio obligado a tomarse el tema de la igualdad seriamente. Pocos años después, todas las exigencias del Grupo 8 se habían hecho realidad.

Gunilla Thorgen fue una de los miembros fundadores del Grupo 8. Actualmente tiene 59 años y es escritora. En el reportaje recuerda con alegría y orgullo los años emocionantes de comienzos de la década de los setenta, pero también muestra una cierta preocupación al ver en qué ha desembocado su movimiento. ¿Cuál es la situación de sus hijas, hoy en día? ¿Quizás ella ha contribuido involuntariamente a poner un doble peso a la vida de las mujeres? ¿Quizás actualmente se espera que las mujeres tengan una vida profesional de éxito y a la vez que se ocupen de la familia?

En una obra de teatro de Gunilla, “Gardenroben”, una hija ya grande le dice a su madre: “la verdad de tu famosa lucha es que ahora las mujeres deben trabajar como los hombres, y a la vez deben ser sensuales y también dulces”.

Así las cosas, el movimiento feminista sueco continúa aun cuando las jóvenes feministas de hoy en día luchan con medios diferentes y se centran en problemáticas diferentes de las de los años 70.

Capítulos de la serie:

1.- Mi vida como feminista - La meva vida com a feminista
2.- El movimiento gay - El moviment gai
3.- Cadenas ecológicas - Cadenes ecològiques
4.- Europa por la paz - Europa per la pau
5.- ¿Nucleares? No, gracias! - Nuclears? No, gràcies!
6. Vecinos en lucha - Veïns en lluita

El paraíso de Hafner, documental sobre oficial de las SS nazi

El documental “El paraíso de Hafner” cuenta la historia de un ex oficial de las SS (Schutzstaffel - Escuadrón de Protección de Partido nacional-socialista Alemán) que vive en España desde hace 60 años y está dirigido por el austriaco, Günter Schwaiger. Estrenado en el Festival de Locarno el 6 de agosto. En el Estado español se podrá ver en el Seminci de Valladolid a partir del 26 de octubre.

“El paraíso de Hafner” tiene como protagonista a Paul María Hafner, ex-oficial de las Waffen-SS (cuerpo de combate de elite del Schutzstaffel) de 84 años que lleva más de seis décadas en España. El documental nos introduce en el mundo de un nazi convencido, y a la vez en la normalidad de un señor mayor que disfruta de una tranquila vida en un barrio rico de Madrid. Hafner sonríe, juega al ajedrez, nada, canta, hace gimnasia, lee, va a ver amigos en Marbella.

El documental logra poner frente a frente al ex-oficial nazi y al militante antifascista y brigadista internacionalHans Landauer, que coincidieron en el campo de concentración de Dachau, como oficial de las SS y como preso respectivamente.

La sangre y la memoria, documental sobre republicanos fusilados

El documental “La Sangre y la Memoria” dirigido por Nacho Sirera y Miquel Osset y basado en el libro “Una miliciana en la Columna de Hierro. María La jabalina” de Manuel Girona, trata de recuperar la historia de sus abuelos, milicianos republicanos represaliados y fusilados por la dictadura franquista. Rodado durante estos dias en las inmediciaciones de Sagunt, de donde eran los protagonistas, tiene previsto su estreno para el 15 de enero.

Sinopsis “La sangre y la Memoria”

Hace 70 años, el capitán Sirera y el teniente Osset fueron reclamados por una amigo común, el diputado de Izquierda Republicana Casas Sala, para instruir y dirigir a los milicianos de la Columna militar. Su objetivo era recuperar Teruel, que estaba en posesión del bando franquista.

El teniente Osset y el capitán Sirera partieron con la Columna Casas Sala desde Castellón, a ella se unieron milicianos de distintas localidades. Su segunda parada fue Sagunt. A la Columna también se unieron cerca de cien milicianos y guardia civiles de la ciudad.

El trágico desenlace tiene lugar en La Puebla de Valverde. Los guardias civiles que formaban parte del contingente se sublevaron en esta localidad y, tras hacer prisioneros a los mandos, se desplazaron a Teruel, donde se sumaron a las fuerzas rebeldes. Los principales jefes de la columna -incluidos Sirera y Osset- fueron rápidamente juzgados y ejecutados en la ciudad, que quedó definitivamente fuera del control republicano.

Estreno de documental Un poquito de tanta Verdad

El documental “Un poquito de tanta verdad”, de Jill Irene Friedberg producido por Corrugated Films en colaboración con Mal de Ojo TV, fue presentado ayer en la universidad Obrera de México y lo será el sábado 28, a las 14:00 horas, en el Centro Cultural José Martí con entrada libre. El documental habla de cómo el estado Mexicano de Oaxaca se ha transformado con el movimiento de resistencia civil; en particular, por el papel que jugaron los medios de comunicación.
Sinopsis “Un poquito de tanta Verdad - A Little Bit of So Much Truth”

Un poquito de tanta verdad es un documental independiente realizado por Corrugated Films en colaboración con Mal de Ojo TV, que registra el fenómeno, sin precedentes, que surgió en Oaxaca cuando miles de maestros, amas de casa, indígenas, trabajadores de la salud, campesinos y estudiantes tomaron 14 radiodifusoras y un canal de televisión en sus propias manos, usándolos para organizar, movilizar, contrainformar y, sobre todo, defender su lucha para obtener justicia, social, cultural y económica.

El movimiento popular que estalló en Oaxaca en 2006, que ha sido comparado con la Comuna de París y catalogado como la primera revolución latinoamericana del siglo XXI, se fija como uno de sus objetivos estratégicos la posesión, control y uso de medios masivos como un elemento de carácter orgánico, siendo este empleo de los medios de comunicación lo que en verdad hizo historia en Oaxaca.

El comienzo

Hace algunos años, la estadounidense Jill Irene Freidberg ya estaba interesada en la educación pública de su país: “Tengo amigos maestros muy frustrados por la privatización del sistema de educación, pero no existe mucha resistencia”. Escuchó hablar sobre las movilizaciones magisteriales oaxaqueñas. Visitó el estado, conoció a los profesores y decidió hacer un documental que estuviera particularmente enfocado en mostrarles a los mentores de su país que era muy parecida su situación a la que se vivía al sur del Río Bravo y para que vieran cómo lo enfrentaban sus contrapartes mexicanas: “Es parte de un proceso global y se puede resistir”.

Entre 2003 y 2005 realizó el documental “Granito de arena”, con su compañía productora Corrugate Films. Así, cuando estalló el movimiento popular oaxaqueño en mayo de 2006, ella ya había registrado, sin pretenderlo, su contexto; muchos le preguntaban si no filmaría lo que estaba ocurriendo. Entonces, ella se imaginaba que sería algo como un epílogo a aquella película.

Pero fueron los acontecimientos los que crearon otro documental. Además, la cinta dio un giro hacia otro tema que siempre le ha interesado: los medios de comunicación. Freidberg ha hecho trabajo en radios comunitarias y colaboró en la formación de Indymedia, la red de medios independientes que surgió a partir de las movilizaciones contra la OMC, en Seattle, en 1999.

La cinta prácticamente no tiene voz narradora; más bien, deja el papel de contar la historia a los maestros, locutores de radio, periodistas y algunos dirigentes indígenas, además de los pobladores oaxaqueños que no fueron actores directos en el movimiento, pero que resultaron influidos por él, como una señora que dice: “Me atontaba viendo novelas, ahora en la casa de ustedes ya no vemos esa televisión”; la cambiaron por el canal 9, tomado por un grupo de mujeres de la Asamblea Popular de los Pueblos de Oaxaca (APPO).

El canal 9, la televisora estatal, fue parte de toda una red de medios de comunicación que armó la APPO. En su momento más fuerte tuvos controladas cerca de 14 radiodifusoras comerciales, además de la televisora.

El miedo oficial

Curiosamente -contó la cineasta-, no es que las tomas hubieran nacido de un profundo análisis sobre la situación de los medios, sino de una necesidad simple: “Ves que los medios masivos te están criminalizando y dices ‘punto’”. La toma de éstos fue respuesta a que destruyeron la estación magisterial, Radio Plantón. Fue entonces cuando se apropiaron de Radio Universidad. Luego, fue destruido a balazos el transmisor del canal 9 y la respuesta fue tomar más de una decena de radiodifusoras.

El documental también revela cuánto miedo le tenía el gobierno de Ulises Ruiz a los comunicadores: hay testimonios de gente que fue detenida y que cuando fue torturarada le exigían que dieran nombres de aquellos que trabajaban en la radio.

“La radio permitió al movimiento una capacidad de respuesta y de control”, que difícilmente hubiera tenido de otra forma, explica, en el documental, Luis Hernández, coordinador de Opinión de esta casa editorial.

A Freidberg también le interesaba resaltar cómo la radio funcionó buena parte del tiempo como una asamblea: la gente hablaba para dar su opinión; si no estaba de acuerdo con una decisión de la APPO, hablaba para decirlo y muchas veces cambiaban el curso de las cosas.

Un poquito de tanta verdad también expone fallas de las radios tomadas. Varios entrevistados coinciden en que funcionó para llamar a tomar acciones, pero que “alimentó poco la conciencia”, admite un dirigente indígena. “Faltó inyectarle contenidos”. Pero “tenía sentido en el momento”, explicó Freidberg. Y es que, con convoyes de policía en la calle, no se va uno a poner a hacer profundos análisis.

La cineasta cree que quizá esta falta de “información profunda” sea la causante de una parte de la pérdida del apoyo popular de la APPO en la ciudad.

El documental intenta dar una visión panorámica del movimiento, que incluya el descontento generalizado hacia Ulises Ruiz e, incluso, las elecciones de 2006.

Actualmente, la señal de Radio Plantón está bloqueada con una canción de heavy metal que se repite una y otra vez; varios de sus integrantes aún tienen órdenes de aprehensión y hace unos días recibieron diversas llamadas mediante las cuales amenazaban su integridad física.

Radio Plantón se puede sintonizar en www.radioplanton.net, sitio mediante el cual decenas de miles de personas en el mundo han podido escuchar la información de la APPO.

La semilla está sembrada, y muchos de los entrevistados en el documental opinan que los oaxaqueños nunca tendrán la misma relación con los medios de comunicación. Para no ir más lejos, fuera de la ciudad creció enormemente el interés por instalar radios comunitarias.

Un poquito de tanta verdad también toca el tema de la Radio Ciudadana, que hizo el papel contrario de Radio Plantón y Radio Universidad. Sus mensajes eran del estilo de uno en el que alertaban a los padres de familia para que las jovencitas no salieran de noche porque “los APPOs, la gente vandálica, están violando con la intención de contagiar de sida”, u otro que daba nombres y domicilios de supuestos involucrados en el movimiento, incluso periodistas.

Esta estación “jugaba un papel fundamental en el clima de terror”, dijo Freidberg, coproductora de “This is what democracy looks like”, sobre las movilizaciones en Seattle, en 1999.

Además de material de Corrugated Films (www.corrugate.org) y Mal de Ojo TV (www.maldeojotv.net), el documental también incluye el canalseisdejulio, entre otros medios.

Detenida participante en Guerrillas Girl, documental sobre las FARC

La presunta militante de las FARC (Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia) Alba Norma Castillo, fue detenida el pasado fin de semana mientras trabajaba en una cafetería de Pereira. Alba fue partícipe del documental “La Guerrillera - The guerrilla girl” del director danés Frank Piasechi Poulsen filmado en 2003 y que trataba sobre las FARC.Alba Norma Castillo está acusada de coordinar el movimiento Bolivariano y el Partido Comunista Colombiano Clandestino (PCCC) en el Eje Cafetero. Estudiaba en la Universidad Tecnológica de Pereira y según la policía colombiana reclutaba a jóvenes y hacía seguimientos a potenciales víctimas de secuestro y extorsión.

Alba aparece en el documental “The guerrilla girl”, como amiga de una de las protagonistas llamada Isabel. La película muestra la vida diaria en un campo de entrenamiento de las Farc, el proceso de adoctrinamiento, pero también las experiencias de los reclutas, sus pequeñas historias, sus dudas y miedos, sus discusiones, e incluso los momentos de fiesta.

Sinopsis de “La Guerrillera- The Guerrilla Girl”:

Escondido en la profundidad de la selva colombiana se encuentra un campo de entrenamiento de las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia (FARC). El director danés Frank P. Poulsen y su equipo cruzaron la frontera clandestinamente y lograron llegar a este campamento móvil para documentar la preparación de Isabel, de 21 años, para luchar contra el régimen.

En tres meses, Isabel, que acaba de despedirse de su familia, su compañero, sus amigos, la casa y el estudio, se entrenará como combatiente guerrillera. Para ella es difícil adaptarse a la dura vida de la selva. Se demora en la ducha, y tampoco le resulta fácil sacrificar una res preñada. El cineasta demuestra un instinto notable. La cámara está presente siempre para captar todo, desde la fabricación de un fusil de palo hasta las charlas sobre las medidas anticonceptivas obligatorias para las mujeres.

La correspondencia de Isabel y su diario personal son utilizados para ilustrar la difícil transición de una vida normal a las filas de las FARC. A pesar de todo, Isabel supera el arduo entrenamiento con la ayuda de la comandancia y de sus camaradas.

El impactante documental muestra el rostro humano de los jóvenes reclutas de las FARC, blanco de la guerra de los Estados Unidos contra el “terrorismo”. El equipo de Rumko estuvo a punto de ser interceptado por fuerzas militares gubernamentales, cuando se desplazaba fuera de las montañas, con su material filmico comprometedor.

Artículo interesante sobre el documental:
http://nocomunicado.blogspot.com/2006/01/sin-novedad-en-el-frente-audiovisual.html

Al rescate de la fauna chilena (duración: 52 minutos)

En este documental se muestra el trabajo en terreno de tres grupos de ecologistas especializados que rescatan y recuperan animales heridos o maltratados por la acción humana, para devolverlos a su ambiente natural. Se muestra la metodología de trabajo y de inserción del animal.

Principales grupos:

1. Centro de recuperación y rehabilitación de Fauna Silvestre de la CODEFF, que trabaja en el Cajón del Maipo.
2. Programa de recuperación y rehabilitación de Fauna Silvestre en San Antonio. Educación ambiental, protección del medio ambiente y rescate da la fauna marina y silvestre.
3. Centro de rehabilitación de aves rapaces.

Este documental forma parte de la serie “Al Sur del Mundo”.

Enlaces de interés

Portal del Programa “Al Sur del Mundo”: En este portal se encuentran los textos y resúmenes de los programas de “Al Sur del Mundo”.

Grupo de Rescate y Rehabilitación de Animales Silvestres: El GRAS es una organización de profesionales, perteneciente a la Universidad de Antofagasta, cuyo objetivo es trabajar en cinco proyectos:

1. Medio ambiente: Estudios ambientales, vigilancia de contingencias, evaluación de impacto sobre fauna silvestre.
2. Vecinal: Educación sobre protección de fauna y medio ambiente.
3. Jóvenes: Educación sobre protección de fauna y medio ambiente.
4. Protección de fauna silvestre: Rescate y rehabilitación de animales silvestres; Educación sobre protección de fauna.
5. Educación ambiental: Programas de educación ambiental a niños, jóvenes y adultos.

Eco Portal Net: Directorio ecológico y natural que presenta casos de animales rehabilitados.

Portal Veterinaria: Sitio que publica información de grupos que recuperan animales silvestres extraídos de la Naturaleza. Se identifican los aspectos a considerar para que estos animales puedan ser liberados en su medio natural.

Cuando la música invade la calle (duración: 57 minutos)

Este video, que pertenece a la serie televisiva Al Sur del Mundo y por ello dirigida a un público general, analiza dos fenómenos culturales ligados a expresiones musicales que comienzan a desarrollarse a principios del siglo XX y se internalizan en el folclor popular urbano. Ambos coinciden en profundizar en los aspectos culturales y sociales que abarca la música popular como el baile, el vestuario, la tradición, la empresa familiar.

El primer fenómeno tratado es la música de organillo en Chile, cuya expresión se popularizó rápidamente al mezclarse con el Chinchinero (bailarín con un bombo y platillos) y la fabricación de ornamentos como los remolinos y sapitos (pequeña matraca). Esta expresión cultural sufre un serio peligro de extinción debido a que ya no existen reparadores ni constructores de organillos, excepto una familia que conserva dicha tradición.

El segundo fenómeno tratado es el entorno que gira alrededor del Carnaval de Oruro, Bolivia. Esta festividad es la más importante de la zona andina reuniendo millares de peregrinos y turistas, quienes a través de un proceso de sincretismo cultural adaptaron creencias propias del mundo andino pre-hispánico al culto de la Virgen cristiana. Es tal devoción la que motiva que cientos de comparsas musicales (agrupación de instrumentos de viento) de diversos lugares diseñen hermosos trajes y bailes para revivir tradiciones ancestrales a través de la empresa familiar.

Ambos fenómenos de sincretismo cultural son tratados en forma de documental donde el testimonio central del relato lo dan aquellas personas que mantienen y dan vida a ambos fenómenos, la empresa familiar. Lo anterior realza la fuerza emotiva del documental.

Enlaces de interés

Le Ludion Organs. Sitio web (en inglés o francés) de una empresa francesa dedicada a la fabricación de organillos.

Oruro y su carnaval. Completo documento que toca diversos aspectos de la expresiones culturales que se dan curso en este carnaval.

Carnaval en el tiempo. Reseña histórica en torno a las ancestrales invocaciones andinas a la Pachamama (Madre Tierra), al tío Supay (diablo) de los parajes mineros, y a la Virgen de la Candelaria.

Sincretismo religioso. Reportaje sobre la yuxtaposición de creencias religiosas y tradicionales que mezclan mundos distintos en Arica, que también forma parte del área de influencia religiosa de la festividad de Oruro. Ver también: http://www.estrellaiquique.cl/site/apg/invite/pags/20010826193710.html

Textos sobre el Carnaval de Oruro. Recopilación de relatos ligados a la tradición cultural que se expresa en el Carnaval de Oruro.

De Contao a Pumalín ¿conquista y desarrollo o un paraíso intocable? (duración: 53 minutos)

Este video, que pertenece a la serie televisiva “La Tierra en que vivimos”, es un recorrido por la zona del Chiloé Continental desde la península de Contao hasta el Parque Pumalín, al norte de la ciudad de Chaitén en la X Región de Los Lagos. El recorrido contrasta las maravillas de la reserva natural de la región con la irracional explotación extractiva de recursos naturales. El video explica cómo la acción humana ha ido modelando el medio ambiente a partir de la actividad económica indiscriminada y poco respetuosa con el medio ambiente. La actividad forestal y pesquera (cría de salmones y truchas en cautiverio), la tala indiscriminada de especies muy valiosas como el alerce, y la contaminación del agua marina producen graves trastornos en el medio ambiente. El video confronta esta actitud con la de un estadounidense radicado en la zona, quien se ha dedicado a generar un parque turístico ecológico que pretende conservar y proteger esta zona natural de una belleza exuberante. En un formato documental y dirigido a un público general, el video llama a tomar conciencia de los efectos negativos de la acción del hombre en el medio ambiente y a adquirir una actitud de respeto y adaptabilidad frente a la naturaleza. Enlaces de interés Duro revés para Parque Pumalín como Santuario de la Naturaleza. Comunicado de prensa donde las Fuerzas Armadas se niegan a que el Ejecutivo declare al Parque Pumalín un Santuario de la Naturaleza. Parque Pumalín. Entrevista a Monseñor Juan Luis Ysern de Arce, Obispo de Ancud, defensor de la iniciativa del parque y de su gestor Douglas Tompkins. Tompkins ¿y dónde están los detractores? Mesa Redonda “Proyecto Parque Pumalín, implicancias para la conservación ambiental y el desarrollo regional”, organizada por el Programa Chile Sustentable. Decreto de la creación del Parque Nacional Hornopirén. Texto del decreto N° 884 (22.12.1988), del Ministerio de Bienes Nacionales, Subsecretaría de Bienes Nacionales. Transnacionales se disputan uso y abuso de ecosistemas y recursos naturales en zona austral de Chile. Artículo que trata sobre una de las zonas más hermosas, prístinas y de rica y frágil biodiversidad del planeta, que se está convirtiendo en el centro de las disputas de poderosas compañías transnacionales del salmón y de la minería. De rojo a salmón. Artículo sobre el ex subsecretario de Agricultura de Salvador Allende, Mario Montanari, propietario junto a su hermano Alberto, de la octava productora mundial de salmón y de un holding empresarial cuyas ventas anuales superan los US$ 150 millones. Fitzroya cupressoides. Descripción científica del alerce, la codiciada especie forestal. Bosque de dudas. Artículo que investiga la tala rasa de más de cinco mil hectáreas de bosque siempreverde en la Cordillera de la Costa y pone en el banquillo a la Conaf de la X Región y a su timonel.

Día de Muertos en México (duración: 51 minutos)

Este video, que pertenece a la serie televisiva Al Sur del Mundo y por ello dirigida a un público general, analiza las expresiones culturales de la tradición de la civilización mesoamericana que existen en el México de hoy. Todas ellas poseen una característica que se deja entrever en expresiones tan distintas como la agricultura (chinampas) y la festividad religiosa: es el culto a las fuerzas de la naturaleza que engendran la vida y la muerte.

El video reseña a partir de testimonios reales las festividades del día de los difuntos, donde se dejan entrever una serie de expresiones culturales (alfarería, artesanía, gastronomía, religiosidad, música) que renueva la tradición milenaria del culto a la muerte. Tales expresiones encarnan leyendas y mitos de la tradición mesoamericana, como el viaje de los muertos al Miztlán, tierra y paradero feliz de los muertos.

El video tratado en forma de documental, logra captar el misterio y la riqueza humana que desentraña una tradición que sobrevive subterráneamente, sincretizada con la tradición oficial.

Enlaces de interés

Directorio de Recursos sobre El Día de los Muertos en México. Numerosos enlaces a sitios en español e inglés sobre aspectos de la festividad.

Origen del Día de los Muertos en México. Resumen dedicado a la celebración del Día de Muertos tiene el propósito de acercar a niños y adultos con la idea de la muerte, para que la vayan aceptando como parte inevitable de la vida humana, conocer cómo algunas culturas antiguas también hacían ritos sobre la muerte; y fortalecer el carácter desde el punto de vista religioso.

Día de muertos en México. Excelente descripción de las ofrendas realizadas en la festividad en la ciudad de Puebla realizada por jóvenes de una asociación cristiana.

Vocabulario del Día de los Muertos en México. Glosario de términos en torno a la festividad.

Recetas culinarias para el Día de los Muertos. Recetas culinarias para la fabricación de la comida tradicional como el mole, el tamal, las calacas, etc.

Día de los Muertos en el México de 1836. Reseña histórica de un viajero que presencio con asombro la festividad en el año citado.

La muerte es tema para los vivos: Una perspectiva socioética. Artículo de reflexión en torno a la muerte por el destacado médico y científico chileno Fernando Lolas.

Energía y medio ambiente (duración: 61 minutos)

Analiza los trastornos y peligros futuros a partir de la intervención invasiva y destructiva del hombre en los ciclos de los elementos vitales de nuestro planeta. El video, propicio para la educación ambiental, es un llamado de alerta ante los peligros que implican las formas de vida moderna; en especial, la búsqueda de fuentes energéticas. El video profundiza cómo la búsqueda de formas de energía por el hombre -pilares del desarrollo de las civilizaciones- hoy produce graves alteraciones en el ecosistema global. La contaminación de la atmósfera genera un calentamiento de la tierra; el recurso agua decrece frente a la demanda futura; la basura aumenta a escalas inmanejables; se multiplica la erosión del suelo y el avance de los desiertos; y los desechos radiactivos y los alcances devastadores de la energía nuclear, utilizada intencionada o indirectamente, implican un grave peligro. Lo anterior es producto del impacto de la intervención humana en los ciclos vitales de los elementos que permiten, a su vez, la generación de vida en un sistema integrado y multirrelacional.

Con un formato documental y dirigido a un público general, el video llama a reflexionar sobre la necesidad de que el hombre se conciba a sí mismo como parte de un ecosistema, ya que si no cambian las prácticas de la humanidad, se podría estar arriesgando el futuro de nuestra especie.

Enlaces de interés

Greenpeace Chile. Filial chilena de esta organización internacional independiente que utiliza el pacifismo activo (acciones no violentas) y la confrontación creativa para exponer y encontrar solución a los problemas ambientales globales.

Cambio climático y efecto invernadero. Centro de recursos para el estudio del efecto invernadero y su impacto en la atmósfera y el clima.

Contaminación atmosférica en Chile: Antecedentes y políticas para su control. Documento elaborado por José Arteaga C. y Hernán Duran F. de la Comisión Económica para América Latina y El Caribe, Cepal.

Visita guiada sobre la energía eólica. Empresa danesa preocupada del desarrollo de la energía propiciada por el viento.

Contaminación del agua. Centro de recursos de todos los tipos de contaminación, en específico la contaminación del agua.

El problema de la basura. Artículo que indaga sobre la generación de enormes cantidades de desperdicios de naturaleza muy variada, que afectan la calidad de vida de la población y cuya adecuada gestión constituye un desafío complejo.

Investigación para la obtención de datos sobre los procesos erosivos. Modelo de investigación para la obtención de datos científicos sobre los procesos erosivos y el estudio de la degradación de sistemas agrarios.

Situación de los recursos naturales en América Latina. Bosques. Documento que ahonda en la pérdida de la cobertura forestal del planeta y en específico de América Latina.

Los peligros de la energía nuclear y sus alternativas.

Aplicación en Chile de la Energía Solar. Documento que da cuenta cómo la energía solar es utilizada preferentemente en la zona norte del país, donde hay uno de los niveles de radiación más altos del mundo.

Página web oficial del Sistema Tohá. Todo acerca del Sistema Tohá: en qué consiste, su inventor, aplicaciones y costos, noticias y vínculos, etc.

Gestión de los desechos radiactivos. Documento elaborado por la Comisión de Energía Nuclear de Chile sobre las operaciones técnico-administrativas vinculadas con la segregación, recolección, tratamiento, acondicionamiento, transporte y almacenamiento de los desechos radiactivos producidos en Chile.

Gaianation2001. Sitio web en inglés que permite profundizar en diversos contenidos ecológicos ligados con la Teoría de Gaia.

Epidemias (duración: 60 minutos)

Analiza el avance de las enfermedades emergentes y re-emergentes en la actualidad, producidas por la alteración de los equilibrios naturales del ecosistema, debido a la presencia invasiva del hombre y al alcance global del transporte que acarrea su propagación a todos los rincones del planeta. El video profundiza en la presencia cíclica de las epidemias en la historia del hombre y las distintas formas de atacarlas; en especial a partir del auge del conocimiento científico a fines del siglo XIX. Pero los avances se han tornado infructuosos al emerger enfermedades desconocidas que poseen alta capacidad de mutación y burlan a los antibióticos. Incluso, han rebrotado enfermedades erradicadas como la meningitis y la tuberculosis. El video refleja las distintas alternativas que busca la ciencia para luchar contra ellas.

En un formato documental y dirigido a un público general, el video llama a reflexionar sobre la necesidad de que el hombre se conciba a sí mismo como parte de un ecosistema. A su vez, interpela a adquirir responsabilidad frente al tratamiento médico personal de los virus para frenar su mutabilidad.

Enlaces de interés

Las enfermedades y la historia de la Humanidad: las pestes. Historia de la epidemia de Peste Negra que devastó Europa a mediados del siglo XIV.

Historia del medicamento y la farmacología. Reseña histórica de los avances científicos ligados a los medicamentos y los fármacos.

Biografía de Luis Pasteur.

Enfermedades emergentes y re-emergentes: amenaza permanente. Artículo que trata la situación sanitaria mundial dominada por la prevalencia de las enfermedades transmisibles, que representan una pesada carga de morbilidad y mortalidad para muchos países, en particular los subdesarrollados.

Historia de la vacunación contra la poliomielitis.

Hepatitis B. Centro de recursos sobre la variedad de la Hepatitis B.

El Hanta. Descripción de esta enfermedad infecciosa aguda, habitualmente grave, producida por un virus que infecta a distintos tipos de roedores (ratas, ratones) y que permanece en ellos de por vida sin provocarles ninguna enfermedad.

Una vacuna prueba ser efectiva contra el Ébola. Artículo noticioso que informa los adelantos de un grupo de científicos estadounidenses que logró inmunizar contra el virus del Ébola a ocho macacos de Java.

Política de prevención y control del VIH/SIDA, Chile 2001. Documento que explícita la relación entre el SIDA y el Estado de Chile, y los esfuerzos de este último para controlar y prevenir esta enfermedad.

Sitio de Naciones Unidas (ONU) para lucha contra el VIH/SIDA. En junio de 2001 se efectuó una serie de asambleas de representantes de la ONU para enfrentar el flagelo del SIDA, reuniendo valiosa y diversa información.

Caracterización epidemiológica del VIH/SIDA en Chile a junio de 2001. Informe periódico que da cuenta del estado de la enfermedad a escala mundial y nacional, debido a la constante mutación que posee el virus.

Herencia maya en Guatemala (duración: 56 minutos)

Este video, que pertenece a la serie televisiva “Al Sur del Mundo”, y por ello dirigido a un público general, ahonda en los enigmas y la sensibilidad refinada de las festividades religiosas de comunidades indígenas pocomanes en el norte de Guatemala, específicamente en los alrededores del lago Petén Itzá.

La festividad religiosa del Cristo Negro sirve de escenario para mostrar las distintas expresiones culturales y artísticas (cerámica, gastronomía, alfarería) que poseen una raíz en la tradición de la civilización maya. Esta festividad se superpone al antiguo culto al Sol, venerado para propiciar la fertilidad de la tierra. Tal cosmovisión se materializa en los vestigios arqueológicos mayas; en especial, la ciudad de Tikal, que tras vivir su apogeo hace más de mil años, diversos factores sociales y económicos gatillaron su abandono, dejando como evidencia magníficos templos y pirámides.

En una excelente realización, con formato de documental, el video retrata como la tradición maya persiste en las comunidades indígenas en un esfuerzo de dar vida a una cosmovisión que relaciona de forma armónica al ser humano con su medio ambiente.

Enlaces de interés

Las Siete Profecias Maya

Saquean antiguas ciudades mayas. Artículo noticioso que trata sobre el expolio de ruinas de la civilización maya en Belice.

Fotografías de la celebración del Cristo Negro. Galería fotográfica de una investigadora que registra esta festividad religiosa.

Los mayas y su cultura. Centro de recursos educativos y pedagógicos para tratar los mayas en el aula escolar.

Las matemáticas mayas. Descripción de sistema numérico vigesimal maya, basado en signos tan simples como puntos y barras.

El mundo maya. Sitio interactivo para escolares que presenta los distintos ámbitos de forma motivadora y gráfica en torno la cultura maya.

El Calendario Maya. Descripción e interpretación del preciso calendario maya, producto del desarrollo astronómico y matemático de esta cultura.

La agricultura y el uso de la selva en el mundo maya. Descripción de las técnicas de cultivo y producción agrícola en torno al maíz durante el apogeo de los mayas.

Astronomía maya. Articulo especializado que contrasta los resultados de la astronomía maya en el Códice de Dresden y la correlación entre los sistemas maya y cristiano de datar.

Por los ríos de la Frontera (duración: 58 minutos)

Este video, que pertenece a la serie televisiva “La tierra en que vivimos” y por ello dirigido a un público general, emprende un viaje siguiendo los lechos de los ríos Cautín y Bío Bío, desde su origen hasta su desembocadura. El video demuestra los graves efectos de la contaminación humana sobre ambos ríos y sus ecosistemas.

A partir del estudio de instituciones universitarias que han investigado la calidad del agua de estos ríos, el recorrido pretende descubrir cuáles son las fuentes contaminantes que castigan día a día la vitalidad de ambos. El primero de ellos es el vertido directo y sin tratamiento de las aguas servidas de las localidades cercanas a los ríos, que en este caso son ciudades importantes del país como Temuco para el Cautín y Concepción y Talcahuano para el Bío Bío. Más grave aún es el aporte contaminante de numerosas empresas ligadas a la industria de la celulosa y alimenticia que utilizan en sus procesos productos organoclorados, perniciosos para la salud humana.

Con un formato documental, el video nos conmina a tomar conciencia de este grave flagelo ecológico que sólo puede empeorar si no se toman acciones directas para invertir en el tratamiento de aguas servidas y de desechos industriales.

Enlaces de interés

Centro de Investigación y Planificación del Medio Ambiente. Institución dedicada a difundir en el país un enfoque sobre el medio ambiente integrado al desarrollo económico, y a promover soluciones que tiendan a dicha integración mediante la colaboración de diferentes sectores de la sociedad.

Greenpeace Chile. Institución activista e independiente de defensa de la ecología.

SINIA (Sistema nacional de información ambiental de Chile). Primer buscador ambiental del gobierno de Chile.

Comisión Nacional de Energía (CNE). Organismo público y descentralizado que se relaciona con el Ejecutivo a través del Ministerio de Minería. Su función principal es elaborar y coordinar los planes, políticas y normas necesarias para el buen funcionamiento y desarrollo del sector energético del país.

Codeff, Comité Nacional Pro Defensa de la Fauna y Flora. Organización no gubernamental, de carácter nacional y participativa, para la conservación de la naturaleza, el medio ambiente y la promoción del desarrollo sustentable.

Comisión Nacional del Medio Ambiente (Conama). Institución del Estado cuya misión es promover la sustentabilidad ambiental del proceso de desarrollo y coordinar las acciones derivadas de las políticas y estrategias definidas por el gobierno en materia ambiental.

San Pedro de Atacama, 8 mil años de historia

Este video, que pertenece a la serie televisiva “La tierra en que vivimos”, analiza la larga historia del pueblo atacameño, que en el desierto más árido del mundo logró desarrollar una cultura avanzada en el ecosistema del Salar de Atacama.

En un viaje alrededor del salar y las quebradas afluentes, liderado por el destacado arqueólogo Lautaro Nuñez, se descubren las etapas de desarrollo de estos pueblos recolectores que transitan hacia la sedentarización a través de la ganadería y luego de la agricultura. Tal sedentarización da luz al desarrollo de la minería, alfarería y cerámica, y alcanza su máximo esplendor durante la influencia del Imperio de Tiahuanaco. El video concluye con la irrupción y los aportes de los sucesivos dominios invasores incaico y español.

El video realizado en formato documental y dirigido a un público general, pretende difundir la memoria histórica de este pueblo que alcanzó un notable desarrollo al aprovechar las bondades del ecosistema del salar y su contacto con la civilización andina.

Enlaces de interés

El patrimonio arqueológico chileno: Reflexiones sobre del futuro y el pasado. Discurso pronunciado por Lautaro Nuñez al momento de ingresar como miembro a la Academia Chilena de Ciencias Sociales.

Fiesta de San Pedro de Atacama. Nota sobre la festividad que rinde tributo al patrono de la ciudad y que mezcla la devoción católica con ritos propios de la cultura originaria.

El grupo atacameño. Apuntes educativos sobre los representantes de una cultura desarrollada alrededor del Salar de Atacama, y que hoy día se hallan diseminados en torno a reducidos oasis en un número cercano a los 3 mil.

El hombre de la edad glacial en Sudamérica: una perspectiva europea. Artículo especializado escrito por Thomas F. Lynch, de Cornell University, publicado originalmente en la Revista de Arqueología Americana, N° 1, pág. 141-185, 1990.

Proyecto repatriación “Hombre de Cobre”. Artículo noticioso que da cuenta del intento de repatriación del denominado “Hombre de Cobre”, un cuerpo humano preincaico encontrado en un socavón en el norte de Chile a fines del siglo pasado, y que en la actualidad se exhibe en el Museo Americano de Ciencias Naturales de Nueva York.

Oídos sordos. Artículo noticioso en torno a los posibles daños al patrimonio arqueológico a raíz de la construcción de un camino internacional en la zona de San Pedro de Atacama, los que ya se habían previsto en informes realizados hace dos años.

Una vuelta de mano: Proyecto Textiles Atacameños. Propuesta de conservación para los textiles Tiwanaku del Museo Arqueológico de San Pedro de Atacama.

Historia

Orígenes del cine: documentar fenómenos. Historia del documental.

Las inventoras del cinematógrafo fueron personas de ciencia interesadas en documentar algún fenómeno o acción. Su ingenio les llevó a crear aparatos que permitieran llevar a cabo sus interesantes experimentos. Tenemos varios ejemplos: el francés Pierre Jules Jannsen elaboró en 1874 un revolver photographique para registrar el paso de Venus ante el sol; el inglés Eadweard Muybridge estudió los movimiento de animales (caballos) por medio de cámaras fotográficas llegando en 1880 a proyectar caballos al galope; el francés Etienne Jules Marey en 1887 ideó un fusil photographique para seguir el vuelo de los pájaros; Georges Demeny en 1892 comenzó a captar y proyectar movimientos de la boca que articulaban pequeñas frases para que las personas sordas aprendieran a leer los labios; y así un sinfin de personas.

Pero el gran y definitivo impulso a estos revolucionarios experimentos lo dieron (entre otros/as menos conocidas) los célebres inventores Thomas Alva Edison (1847-1931) y Louis Lumière, que lo convirtieron en una realidad industrial y comercial. Edison creó en 1894 el kinetoscopio de mirilla. Un mamotreto que requería de varias personas para hacerlo funcionar y que no podía salir de un estudio montado en Nueva Jersey. Su trabajo fílmico, siempre grabado en estudio, derivó hacia el negocio del espectáculo (bailarinas, contorsionistas…)

Lumière por contra, lanzó en 1895 el cinématrographe, una máquina que no dependía de la electricidad y con sólo cinco kilos (una centésima parte del kinetoscopio de Edison) que permitía tanto grabar como reproducir y hacer copias. Su caracteristica más relevante era la facilidad de manejo, que la hacía idónea para grabaciones en el exterior. El primer paso ya estaba dado, se había construido y mercantilizado un aparato que permitía la grabación y exhibición de imágenes en movimiento. Cortometrajes como La salida de la fábrica y La llegada de un tren a la estación sobre todo (de un minuto de duración, que era lo máximo que permitía la técnica de la época) tuvieron un exito abrumador.

Denis Arkad’evic Kaufman: Dziga Vertov. Biografía.

Denis Arkad’evic Kaufman (Bialystok 1895 -Moscú 1954). Hijo de bibliotecarios. Después de cursar estudios de música 1912-1915 en Bialystok y de medicina 1916-1917en San Petersburgo, se dedica a escribir poesía y novela. Atraído por el futurismo, toma el pseudónimo de Dziga Vertov (En ucraniano “¡Gira, peonza!”). Cineasta innovador, teórico, poeta, agitador, editor, propagandista y pilar indispensable de un cine documental auténtico que respondiera a las necesidades políticas, económicas y sociales del momento histórico en que se hallaba inmerso. Vertov fue, sobre todo, un inventor y un imaginativo baluarte del cine experimental; todo lo cual fue demasiado para las mentes cuadradas de los burócratas del partido, que llegaron a humillarlo, bloquearlo, desanimarlo, desmovilizarlo, buscando sofocar su espíritu. Fue acusado de formalismo, antirrealismo, narcisismo y tratamiento “reaccionario” de la realidad soviética.

A grandes rasgos, la praxis de Vertov con las imágenes en movimiento empieza en 1916, en su “laboratorio del oído” experimentando “músicas de ruidos”, montaje de fonogramas y palabras. En 1918, el Comité del Cine de Moscú le contrata como secretario y llega a ser redactor jefe (hasta finales de 1919) del Kinonedelija (Cine-Semana, el primer periódico de la actualidad cinematográfica soviético). Hacia 1920 Vertov hizo un descubrimiento notable: el ojo humano era capaz de registrar un plano cinematográfico de apenas dos o tres fotogramas. Ello implicaba la posibilidad de montar fragmentos diminutos en cortes aparentemente ilógicos que no sólo desafiaba por entero la temporalidad de la visión natural sino las estructuras del pensamiento.

En 1925, Vertov anticipaba: “En un futuro próximo, el hombre podrá transmitir simultáneamente por radio, para el mundo entero, los hechos visibles y sonoros grabados por una radio-cámara”. Los tiempos posteriores le dieron la razón. El uso de cámaras portátiles impulsaron la corriente documentalista (el cine directo), el auge posterior de las telecomunicaciones y las aportaciones tecnológicas han posibilitado la utilización, cada vez mayor, de las microcámaras y la circulación abierta de imágenes generadas por multitud de individuos y grupos sociales a nivel mundial… Podemos decir que, en cierta forma, una parte de todo eso lo anticipó Vertov en sus manifiestos y con su teoría del cine-ojo (kino-glaz), que en los años 20 tenían una fuerte carga visionaria, pero cuyas hipótesis empezó a practicar de inmediato, en la medida de sus posibilidades.

Biografía de ESFIR SHUB.

Eshr llinitchina, conocida como ESFIR SHUB (? Ucrania 1894-Moscú 1959) fue realizadora y pionera del montaje de archivos filmográficos. Tras sus estudios del Curso superior para mujeres se uniría -después de la Revolución- al movimiento vanguardista LEF (Organización de escritores de izquierda) fundado por Mayakovski . A partir de 1922 montó películas soviéticas y extranjeras en la fábrica de Goskino (que se llamaría a partir de entonces Mosfilm), entre ellas destaca El doctor Mabuse de Fritz Lang (1922).

En la películas de Esfir Shub, al contrario de lo que ocurre en las de Vertov , no se dan metáforas al nivel de construcción: el montaje, completamente orientado a un objetivo determinado, es sencillo y claro. Al yuxtaponer fragmentos varios, procedentes de fuentes heteróclitas, la realizadora consigue ocultar el sentido explicito y crear un todo estético y político coherente. Este tratamiento dado al material de archivo constituyó una novedad en aquel momento.

La película El acorazado Potemkin de Eisenstein le sugirió en 1925 la idea de abordar el pasado en su pais de una forma diferente: trabajando con material de archivo. Entre 1926 y 1928 realizaría su famosa Trilogla sobre la historia de Rusia. Las tres películas que la componen - Padenie dinastii Romanovykh (La caída de los Romanov, 1927), Velikj Put’ (La gran ruta o El gran camino, 1927), Rossija Nikolaja II i Lev Tolstoi , (La Rusia de Nicolás II y Tolstoi, 1928), no contienen ningún plano rodado por Shub. La primera La caida de los Romanov surgió del deseo de testimoniar algunos hechos de la revolución de febrero y la situación social que la hizo posible. Logró acceder con grandes dificultades a ciertas tomas, procedentes del archivo privado del zar, por medio de alguno de sus allegados. Estos documentos gráficos se refieren al período de 1912-1917. Shub vería miles de metros de película y visitaría los lugares que no conocía, con el fin de reconstituir los hechos en el montaje lo más fielmente posible. Este deseo de exactitud constituye el punto de referencia esencial del material, y no la lectura ideológica y cinematográfica hecha a posteriori. La gran ruta cubre el período 1917-1927. Aquí también existieron dificultades para conseguir los documentos que estaban dispersos o se habían destruido. Logró traer de los Estados Unidos imágenes inéditas captadas en su momento por cámaras occidentales. En el curso de sus investigaciones, descubriría los archivos filmados sobre Tolstoi, y como 1928 era el centenario del nacimiento de este gran hombre decidió realizar una película sobre él. Al ser muy escasas las imágenes del escritor, realizó una obra sobre su época (1896-1912), dominada por la figura del novelista. Esta película concluyó el ciclo de esos treinta años de historia soviética. La intención de su trabajo no era ligar los significados aparentes de los hechos, sino la de hacer surgir un sentimiento nuevo que corresponde a “una lectura marxista de la Historia”.

En 1930, Shub construyó una crónica de la vida cotidiana, Segodnja (Hoy o Cañones y tractores), en la que hace un paralelismo entre la vida de la Unión Soviética y los países capitalistas. Dos obras más merecen destacarse de los años treinta: Komosmolsef elektrifikacij (Komosmol, a la cabeza de la electrificación, 1932), en la que presenta una síntesis sorprendente entre la puesta en evidencia de los instrumentos de rodaje (cámara, micros) y la lucha por la electrificación de una región; es la primera película soviética rodada con sonido directo. La segunda, Ispanija (España, 1939), constituye un interesante trabajo realizado con el material filmado en la Guerra Civil por Roman Karmen . Con la guerra mundial, el cine cambia y termina la época de los pioneros.

Shub ha realizado también algunas películas -documentales o montaje- de menor importancia: Moskva stroit metro (El Metro por la noche, 1934); Strana sovetov (El país de los soviets, 1937); Lico vraga (La cara del enemigo, 1941); Kino za 20 let (20 años de cine soviético, con la colaboración de Poudovkin , 1946); Po tu storonu Araksa (Hacia el Arax, 1947; Ot cistogo serdca (El corazón puro, 1949).

Extraido de filmoguia.com

BIOGRAFÍA de Jean Vigo.

Jean Vigo nació en París el 24 de abril de 1905 y murió también en París el 5 de octubre de 1934. Hijo de un periodista y militante anarquista catalán -Miguel Almereyda; en realidad Eugène-Bonaventure de Vigo- muerto ahorcado en una prisión francesa en 1917. En su infancia y adolescencia estuvo en un internado de Milla y quizás por las malas condiciones de vida que tuvo allí, contrajo tuberculosis en su juventud, por lo que se instaló en Niza. En esta ciudad fue ayudante en un estudio fotográfico y posteriormente parte muy activa del cineclub de Niza, lo que le procuró contacto con experimentadores cinematográficos de todo el mundo.En 1929 Jean Vigo invitó a Boris Kaufman (hermano de Dziga Vertov) para trabajar con él y realizaron la obra: “Sobre Niza” ( À Propos de Nice -1930-). Puede definirse como una visión sobre una sociedad superficial en proceso de putrefacción. En esta corto mudo, y por regla general, cuando trabajaban juntos, Kaufman filmaba y Vigo dirigía. Con frecuencia Vigo llevaba a Kaufman a pasear en silla de ruedas con una cámara entre las piernas y tapada por una manta (la silla de ruedas pasaba desapercibida en una ciudad como Niza). Así eran capaces de filmar a las personas sin que se diesen cuenta, que era lo que ambos buscaban porque eran partidarios de la teoría kino-pravda (cine-verdad).

Luego realizó el documental sobre el campeón de natación Taris.

Zero de condutei es su primer largo y relata el conflicto entre estudiantes y profesores en un internado. Este film fue censurado por considerarlo sedicioso.

El último film que hizo fue la historia de amor LÀtalante. Al poco de realizarla murio con 29 años.

A pesar de su escasa filmografía Jean Vigo es considerado uno de los mejores cineastas franceses.

Biografía de John Grierson.

Productor, director, teórico y fundador del movimiento documentalista Escocés. (Born 26 April 1898, Kilmadock, Stirlingshire, Scotland, UK.; died 19 February 1972, Bath, Somerset, England, UK. [now Bath andNorth East Somerset, England, UK). Nació en el seno de una familia de maestros presbiterianos y socializantes.

Estudió Filosofía en la Universidad de Glasgow y durante la Primera Guerra Mundial sirvió en la marina. En 1924 partió hacia Estados Unidos con una beca de lla Fundación Rockefeller y durante tres años estudió prensa, radio, televisión y cine, impactado por el efecto que este tenía sobre el público y por el sensacionalismo que practicaba la prensa de William Hearst. Analizando la forma de construcción de la noticia, llegó a definir al documental como “el tratamiento creador de la actualidad”, término que aplicó por primera vez refiriéndose al film Moana, de Robert Flaherty.

Convencido de que el cine debía tener una función propagandística social, decidió formar un grupo de producción de documentales. En 1927, realizó Pescadores a la deriva (Drifters) para Empire Marketing Board (EMB), siendo esta su única película dramática. Después formó la escuela Grierson con universitarios provenientes de Cambridge. Cuando se disolvió EMB, en 1933, pasó a General Post Office, donde realizó: Correo nocturno (Night Mail, 1936), con Harry Watt, Mar del Norte (North Sea, 1938), La canción de Ceylán (The Song of Ceylon, 1934-35), con Basil Wright e Industrial Britain (1933).

En 1937 fundó el Film Center con la intención de independizarse. En 1938 lo llamó el gobierno de Canadá y en 1939 creó el National Film Board, con el que formó otro grupo de documentalistas, entre los que se encontraba Norman Mac Laren. En 1945 volvió a Inglaterra y fundó la Internacional Film Associated, de la que formaron parte Robert Flarherty y Jean Benoit-Lévy, entre otros. Hoy es considerado el más importante teórico del documental y su obra es vista como un antecedente del neorrealismo italiano y del Free Cinema inglés.

Biografía de Ken Loach.

Ken Loach nació el 17 de junio de 1936 en Nuneaton, Warwickshire, Inglaterra. Militante troskista. A los 25 años, mientras estudiaba Derecho en Oxford, entró por primera vez en contacto con las artes escénicas, actuando en el grupo de teatro de la universidad. Después de graduarse, trabajó como asistente de dirección en el Northampton Repertory Theatre. Pero estaba más interesado en el mundo audiovisual que en el de las tablas, así es que después de obtener en 1963 una beca en la cadena de televisión BBC, se inicia en la dirección.

El ambiente que se respiraba en aquellos años, favorecía la realización de programas que criticaban las injusticias sociales, allí encontró Loach la visión y la voz que caracterizaría su cine. A partir de 1964 comienza a dirigir una serie de documentales, el más famoso de ellos es “Cathy Come Home” (1966) sobre la pobreza, con el cual obtuvo gran éxito.
Desde entonces y hasta principio de los 80′, dividió su tiempo entre el cine y la televisión, filmó cuatro largometrajes, numerosos documentales y películas para la TV como “The Big Flame” (1969) sobre los trabajadores portuarios de Liverpool y la serie “Days of Hope” (1975), sobre los hechos que llevaron a la huelga de 1926, y la derrota del Movimiento Laborista Británico.
Con Margaret Thatcher en el poder, crece el paro y los recortes de presupuesto para la cultura. La Dama de Hierro se gana muchos enemigos entre los artistas, Loach es uno de los más radicalizados. El Channel Four prohibió sus documentales “A Question of Leadership”, con los que combate al thatcherismo, por lo cual a lo largo de toda esa década solo puede filmar dos películas.
En los años 90′, con los cambios políticos, su carrera se revitaliza. Ha filmado hasta ahora nueve películas más, con la mayoría de las cuales ha obtenido numerosos premios, consolidando su carrera internacional, pero manteniéndose siempre fiel al estilo que fue una constante en su vida: la defensa de los oprimidos y oprimidas.

Loach, en cuyas películas muchos creen ver algo así como un “grado cero de la escritura cinematográfica“, es dueño de un estilo depurado y sencillo como. Heredero inequívoco de las principales tendencias de cine realista de europa y en mayor medida del free cinema que se caraterizaba por su realismo, su inconformismo social, su crítica a la burguesía y a la sociedad y, su acercamiento a los seres anónimos de la sociedad, su sentido del humor.

Ken Loach al igual que sus antecesores denuncia los traumas que ocasiona en los seres humanos la vida en las ciudades industriales a pesar de los avances tecnológicos y con sus historias sacude las conciencias de la sociedad contemporánea con el fin de mejorar sustancialmente las condiciones de la clase trabajadora (sobre todo la británica).

Biografía de Luis Buñuel.

Luis Buñuel Portolés nació en Calanda (pueblo de Aragón), sus padres fueron Leonardo Buñuel González y María Portolés Cerezuela y él fue primogénito de siete hermanos.

Su infancia transcurre en Zaragoza. Es expulsado de los jesuitas y se matricula en el Instituto de Zaragoza. En 1917, marcha a Madrid para estudiar la carrera de ingeniero agrónomo, pero no logra entrar en la Facultad. En 1920 se matricula en los cursos del entomólogo Dr. Bolivar, para hacerlo después en la Facultad de Filosofía y Letras donde se licencia en 1924. Lo más decisivo de esta época es su estancia en la Residencia de Estudiantes, donde establece amistad con Federico García Lorca, Pepín Bello, Salvador Dalí, José María Hinojosa. Allí conoce las tendencias más importante del arte y pensamiento de aquel tiempo.

Posteriormente marcha a Paris, donde en mayo de 1926 pone en escena El Retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla. Se matricula en la Academia de Cine de Jean Epstein, estudiando interpretación, pero sus primeros trabajos son como ayudante de dirección -en Mauorat (1926) de Jean Epstein; en La Sirène des Tropiques (1926) de Henri Etièvant y Mario Napals, y en La Chute de la Maison Usher (1927), de Jean Epstein.

De 1928 data su primer proyecto cinematográfico personal, El Mundo por Diez Céntimos (guión de Ramón Gómez de la Serna). En el mismo año, Buñuel se adhiere al grupo surrealista de París, atraído por su intransigencia moral y artística y por su nueva política social, con las que se siente plenamente identificado. Él aporta al grupo la cinematografía, decidiendo llevar la estética del surrealismo a la pantalla: Un chien andalou (Un perro andaluz, 1928) es, efectivamente, la primera película surrealista. La realizó en colaboración con Salvador Dali, y el film obtuvo un inesperado éxito de público, suscitando infinidad de comentarios y no pocas imitaciones. La imagen de una afilada hoja de navaja barbera cercenando el ojo de una mujer se convertirá en inequívoco marbete de la iconografía buñuelesca . como decía Buñuel, “era provocar en el espectador reacciones instintivas de repulsión y atracción. Nada en la película simboliza ninguna cosa”. Un Perro Andaluz, es una sucesión de imágenes sin un significado real, objetivo, sino emocional y subjetivo. Dos años después, en 1930, y con la participación meramente nominal de Dali, realiza L´Âge d´Or (La Edad de Oro) cuyo estreno provoca un gran escándalo. Los surrealistas lanzan un manifiesto en su defensa, mientras que la extrema derecha le ataca desde las páginas de Action Française, y sus acólitos casi destruyen la sala de exhibición. Las proyecciones siguen, sin embargo, hasta que las prohíbe el jefe de Policía de París.
En el mismo año de 1930 marcha a Hollywood contratado por la Metro Goldwyn Mayer como “observador”. Conoce a Einsenstein y a Charles Chaplin. Rescinde prematuramente su contrato y vuelve a Francia, regresando a España con ocasión de la proclamación de la Republica, para volver de nuevo a París. En 1932 se separa del grupo surrealista y trabaja para la Paramount, en la adaptación de películas al español. Luego, en Madrid, sería supervisor de doblaje de la Warner Bross.
En 1932 realiza su tercera película, Tierra sin pan (Las Hurdes), sobre dicha comarca española. La película fue prohibida por el gobierno de la República. A petición de Ricardo Urgoiti, se hace cargo de la producción de la Filmófono, y es el productor ejecutivo de Don Quintin el amargao (1935) de Luis Marquina, de La Hija de Juan Simón (1935) de José Luis Saenz de Heredia, de ¿Quién me quiere a mí? (1936), también de Saenz de Heredia, y de ¡Centinela alerta! (1936) de Jean Grémillon. En 1936 estalla la guerra civil y Luis Buñuel, movilizado, sigue trabajando en el cine, reuniendo y conservando material documental. Enviado a París, donde era embajador de la República Luis Araquistain, supervisa el montaje y escribe con Pierre Unik el comentario de España leal en armas, de J.P. Le Chanois.

En 1938 vuelve a Hollywood, pero al suspenderse el proyecto de dos películas prorepublicanas sobre la guerra civil que debía supervisar, se encuentra sin trabajo. Iris Barry le llama al Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde desarrolla una intensa labor, la única muestra de la cual el realizador español ha querido reconocer como obra personal es Triumph of Will (1939), montaje alternado de las peliculas El triunfo de la Voluntad (1938) de Leni Riefenstal, exaltación del nazismo, y de Bautismo de fuego (1939) de Hans Bertram, sobre la invasión de Polonia. En 1942 se ve obligado a dimitir de su puesto, al hacerse público a través de un libro de Salvador Dali que Buñuel era el autor de L´Âge d´Or.

Posteriormente hace documentales para el Ejército norteamericano y doblajes en Hollywood para la Warner Bross durante los años 1944-46, mientras proyecta, sin llegar a realizar, diversas películas: The Sewers of Los Angeles, en colaboración con Man Ray, Ilegible, Hijo de Flauta, en colaboración con Juan Larrea, y una versión fílmica de La Casa de Bernalda Alba, de Federico García Lorca.

En 1946 marcha a México, donde rueda Gran Casino (Tampico), producida por Oscar Dancigers. Buñuel adquiere la nacionalidad mejicana, y se instala en méxico con su esposa, Jeanne Rucar, y sus dos hijos, Juan Luis y Rafael. Los comienzos de la “época mejicana” de Luis Buñuel no son brillantes, aunque una serie de trabajos, cuya dignidad moral reivindicaría siempre el realizador, le permiten afrontar el porvenir tras los últimos años, angustiosos, en Norteamerica.

En 1950, Los olvidados causa sensación en el Festival de Cannes, donde la película obtiene el Premio a la mejor dirección. La crítica reencuentra en el film al gran autor de la “época surrealista”, y Los olvidados conoce un resonante éxito internacional, que no llega, empero, a liberar enteramente a Buñuel de la servidumbre del cine comercial, pero, junto a productos de muy modesta estatura artística, van surgiendo en su filmografía una serie de obras del máximo interés, como su adaptación del Robinson Crusoe de Daniel de Foe (1953), Él (1954), Abismos de pasión (1954) -una versión cinematográfica de la gran novela de Emily Brontë Cumbres Borrascosas- Ensayo de un Crimen (La vida criminal de Archibaldo de la Cruz) (1955), al mismo tiempo que realiza diversas coproducciones con cinematografías europeas.

En los mejores títulos de la época mejicana, Luis Buñuel vuelve a ser el formidable rebelde de la época surrealista, más atemperado en la forma, y con un fuerte ingrediente de crítica social, como si el punto de partida fuera una sintesis de los planteamientos de sus tres primeras películas.

Lo que podría llamarse en cierto modo el “proceso de recuperación” culmina primeramente en Nazarín (1958), film que obtiene, entre otros, el Gran Premio Internacional del Festival de Cannes de 1959, y que señala el comienzo de una serie ininterrumpida de obras maestras cuyos títulos más sobresalientes serán Viridiana (1961), El ángel exterminador (1962) y Simón del Desierto (1965).

Una mención especial merece el caso de Viridiana: Luis Buñuel había regresado anteriormente a España tras su largo exilio, pero siempre de forma privada, y sin proyectar ningún trabajo cinematográfico; pero Viridiana, coproducción hispano-mejicana, se rodó enteramente en España y representó oficialmente a nuestro país en el Festival de Cannes de 1961, donde obtuvo la Gran Palma de Oro. Inmediatamente, el film se convierte en el tema de una resonante polémica internacional: L´Osservatore Romano lo ataca por sacrílego y blasfemo, la censura española lo prohíbe (su proyección en España no sería autorizada hasta 1977) pero la película alcanza un clamoroso éxito mundial. Como consecuencia del escándalo, Luis Buñuel no volvería a rodar en España hasta 1970, fecha de la realización de Tristana.

En 1962 y con Le journal d’une femme de chambre (Diario de una camarera) inicia Buñuel su colaboración con Serge Silberman, que produciría la mayor parte de sus ulteriores películas. Se inicia también la “época europea” (o más bien francesa) de su obra, que desarrolla una amplia meditación sobre la vida contemporánea, y una crítica de los falsos valores que la sustentan, y cuyo momento cumbre puede que sea Le Charme discret de la bourgeoisie (1972), donde vuelven a aparecer expresamente, reelaborados, nuevamente meditados, los grandes temas de la época surrealista.

Al igual que Viridiana, Tristana (1970) -que es adaptación de una novela de B.Perez Galdós (como Nazarín)- merece clasificarse en un grupo aparte, el de sus “peliculas españolas”, ya que con Tierra sin Pan (Las Hurdes) son las únicas de toda sus filmografía rodadas en nuestro país y expresan el pensamiento de Buñuel sobre nuestra realidad histórica, social, moral, religiosa y cultural. España reconoce finalmente de un modo oficial su contribución a la cultura española en el Festival de San Sebastián de 1977, donde se presenta su última película, Cet obscur Objet du désir (Ese oscuro objeto del deseo), y se concede al realizador un premio especial por su magisterio cinematográfico.
La clasificación en diversos apartados de la obra de Buñuel no tiene más que un valor puramente didáctico, pues en su conjunto presenta la más rigurosa unidad, desarrollándose orgánicamente a partir de la época surrealista. Luis Buñuel, en efecto, permanece fiel a lo largo de toda su vida a los presupuestos esenciales del surrealismo, cuya finalidad no es la obra de arte, sino la instauración de una nueva actitud para cambiar al hombre y al mundo, destruyendo la civilización burguesa cuyos pilares, religión, familia, poder establecido en todas sus manifestaciones, convenciones sociales y fuerzas represivas, son objeto de una guerra sin cuartel en nombre y en defensa de una auténtica moral de la libertad y del hombre mismo, en tanto que individuo y como ser social.

Biografía de Raymundo Gleyzer. Documentalista politico Argentino.

Raymundo Gleyzer nació en Buenos Aires (Argentina) en 1941. Hijo de Jacobo (un ruso ucraniano) y Sara Aijen, ambos artistas y activistas que fundaron el teatro IFT ( Idisher Folks Teater -Teatro Popular Judío- ) donde Raymundo creció.

A los 20 años Raymundo decide dejar la Facultad de Ciencias Económicas y solicita la inscripción en la de Cine en La Plata. A partir de 1964 comienza el primero de los tres períodos del cine y documental políticos de Raymundo: será el de carácter etnológico. De esta época sale la trilogía “Ocurrido en Hualfin”.

A partir de 1965 se abre un nuevo período marcado por su trabajo en noticieros (Canal 7 y Telenoche). En su búsqueda personal, este tipo de trabajos terminará con una película propia “México, la Revolución congelada”. A nivel personal se incrementa su formación como marxista y su alejamiento definitivo del Partido Comunista..

En 1972 con una fuerte crisis dentro del PRT (Partido Revolucionario de los Trabajadores-Argentina) y con la desintegración del FATRAC (Frente Antiimperialista de los Trabajadores de la Cultura), Raymundo (militante del PRT) comienza el camino que lo llevara a su único largometraje de ficción “Los Traidores”. La búsqueda de Raymundo apuntaba a un cine que entretuviera y concientizara al mismo tiempo. Lo que se podría considerar el tercer período.

Al mismo tiempo que filmaba ‘Los traidores’, Gleyzer filmó un corto sobre la masacre de Trelew: “Ni olvido ni perdón”. La película se hizo básicamente con la conferencia de prensa que los fugados del penal habían dado en el aeropuerto (donde estaban varados) y con una serie de fotos. Al mismo tiempo nacía el FAS (Frente Antiimperialista por el Socialismo), que se relacionó directamente con el proyecto de Cine de Base.

Cine de la Base. Cine revolucionario argentino.

En 1973 crea el grupo “Cine de la base” para llevar el cine a los mismos protagonistas de sus films, los desposeidos de la tierra, los obreros, los indios y los campesinos.

Biografía de Robert Joseph Flaherty.

Robert Joseph Flaherty Nació en Iron Mountain, Michigan. un 16 de Febrero de 1884 y murió en Dummerston Vt. un 23 de Julio de 1951). Era hijo de un Ingeniero de minas y desde pequeño tuvo mucha relación con mineros e indios. Su padre se hizo explorador de nuevas tierras y a veces llevaba a Robert en sus exploraciones. En 1910 Flaherty inició su trayectoria de explorador en busca de yacimientos y en 1913 la persona que lo contrataba le sugirió que grabase su expedición. Así fue. No sin antes asistir a un curso de filmación que duró tres semanas, pues Flaherty no sabía nada de cinematografía.

Lo que empezó siendo una casualidad se convirtió en verdadera afición. En 1916 mientras realizaba su primera película la fatalidad hizo que un cigarrillo incendiara todos los negativos filmados durante esos tres años de expediciones. Flaherty casi pierde su vida al tratar de salvarlos. Así pues, sin negativos y poco satisfecho con la copia que había realizado (”se trataba de escenas sueltas , sin relación entre sí, sin hilo conductor”) decidió concentrarse en la vida de un esquimal y su familia y vover a grabar. Después de reunir los fondos necesarios e ir a la costa nororiental de la bahía Hudson comenzó a filmar en 1920, en primavera de 1921 reveló allí mismo el material, en verano volvió a casa y en invierno acabó el montaje. A principios de 1922 Nanook, el esquimal estaba lista para su distribución. La Paramount al igual que otras cuatro grandes compañías cinematográficas lo rechazaron por considerar poco comercial la película. Fue la organización Francesa Pathé quien la distribuyó el 11 de Junio de 1922 con un éxito inmediato.

En 1964 en el festival de Mannheim los autores y autoras de documentales seleccionaron a Nanook, el esquimal como el mejor documental de todos los tiempos. Después del éxito de Nanook, la Paramount confió a Flaherty un proyecto sin límite de presupuesto. Se convetiría en Moana, documental sobre las gentes de Samoa un archipielago del Pacífico. Se presentó en 1926 y fue un fracaso taquillero.

La cámara sirve a Flaherty para informar sobre la vida de otras culturas, intentando reflejar sus aspiraciones y cultura reales. Para Flaherty se trata de películas rodadas teniendo como actores/aztrices a sus habitantes.“Si se trata de filmar a gente distinta a uno, es imposible que actores o actrizes pueda reflejar con todo su histrionismo profesional la vida al natural de los moradores, que pueden interpretar sus propias vidas sin interés comercial”. Así pues dedicaba la mayor parte del tiempo de producción a encontrar a los personajes que mejor van a poder interpretar los papeles del filme.